Suicide Squeeze HHV Records 56 Artikel

L.A. Witch haben schon immer eine Aura müheloser Coolness ausgestrahlt, sei es in Form des Americana Noir und des lakonischen Back-to-Basics-Rock'n'Roll ihres selbstbetitelten Debüts oder des glühend strengen Abenteurertums ihres zweiten Albums „Play With Fire“. Die Band - bestehend aus Sade Sanchez (Gitarre/Gesang), Irita Pai (Bass) und Ellie English (Schlagzeug) - begann als informelle Angelegenheit, aber die schwülen und betörenden, von Hall umhüllten Songs, die sie schufen, fanden beim Publikum Anklang und brachten das Projekt über den isolierten Raum von Freunden und Gleichgesinnten in Südkalifornien hinaus in die weite Welt. Auf ihrem neuesten Album „doggod“ geht das Trio über die bisherigen kreativen und geografischen Grenzen hinaus – das Material wurde in Paris produziert und die Tracks im Motorbass Studio in der Rue de Martyrs aufgenommen. „doggod“ erkundet ein breiteres klangliches Terrain, setzt ein größeres Arsenal an Sounds ein und erforscht größere existenzielle und kosmische Themen, ohne dabei den für die Band typischen Sinn für das Verbotene, das Verlassene und die Vorahnung zu verlieren. „doggod“ ist ein Weg, das universelle Rätsel der spirituellen Natur von Liebe und Hingabe anzugehen. „Ich habe das Gefühl, eine Art Dienerin oder Sklavin der Liebe zu sein“, sagt Sanchez. „Ich bin bereit, für die Liebe zu sterben, indem ich ihr diene, für sie leide oder nach ihr suche - so wie ein treuer, ergebener Diensthund es tun würde.“ Der Titel des Albums ist ein Palindrom, das DOG und GOD zusammenfasst - eine Verherrlichung des Unterwürfigen und eine Subversion des Göttlichen. Es ist eine Anspielung auf die Reinheit von Hunden und eine Anerkennung ihrer bedingungslosen Liebe und ihres beschützenden Wesens, die im Widerspruch zu den verschiedenen abwertenden Assoziationen stehen, die mit dieser Spezies verbunden werden. „Es gibt diese symbolische Verbindung zwischen Frauen und Hunden, die die untergeordnete Stellung der Frau in der Gesellschaft zum Ausdruck bringt“, erklärt Sanchez. „Und alles, was solche göttlichen Eigenschaften verkörpert, hat es nicht verdient, als Schimpfwort benutzt zu werden.“ Diese widersprüchlichen Erkundungen von Liebe und Unterwerfung manifestieren sich in der sanften und rauchigen Garagerock-Alchemie der Band, mit einer neu entdeckten Nutzung der disziplinierten Zurückhaltung und eisigen Instrumentierung des Post-Punk. Der Album-Opener „Icicle“ zeigt, wie L.A. Witch aus dem Proto-Punk, der Psychedelia und den düsteren Riffs der 70er Jahre in die von Refrains durchtränkten Gitarren und den verlorenen Minimalismus von Joy Division und den frühen The Cure reist. Es wird eine Parallele zwischen romantischem Selbstmord und Märtyrertum gezogen, die sich im zweiten Song, „Kiss Me Deep“, fortsetzt. Hier beschreibt Sanchez eine Liebe, die so rein ist, dass sie die Zeit übersteigt und sich über mehrere Leben erstreckt. Es ist ein Lied über Leidenschaft, vorgetragen mit dem weltlichen und verletzten Stoizismus der frühen Goth-Pioniere. Von dort aus geht die Band zur Leadsingle „777“ über, einem Song über Hingabe bis hin zum Tod. Ein treibender Beat, ein treibendes, verzerrtes Riff und Sanchez' ätherischer Gesang vereinen sich zu einem Song, der sowohl düster in seinem Fatalismus als auch sinnlich in seiner treuen Leidenschaft ist. Auf dem gesamten Album „doggod“ weichen L.A. Witch nie von ihrer Muse ab. In „I Hunt You Pray“ legt Pai einen hypnotischen Basslauf hin, während English einen zyklischen Krautrock-Groove einsetzt und Sanchez das Bild eines verlassenen Hundes am Straßenrand malt, der allein in der Nacht ist und sowohl als Jäger als auch als Gejagter lebt. Auf „Eyes of Love“ macht sich die Band die meditativen Mid-Tempo-Wiederholungen, dekonstruierten Akkorde und esoterischen Betrachtungen über Liebe, Tod und Spiritualität zunutze, die Lungfish zu einer so beliebten Band gemacht haben. Es unterstreicht die Parallele zwischen der unerschütterlichen Liebe in den Augen eines Hundes und der Selbstaufopferung eines Erlösers. Auf „The Lines“ nimmt die Band den treibenden Puls des Post-Punk und fügt dem Mix eine Extraportion Chorus hinzu. „Chorus ist ein moderner Effekt, der auf der Idee beruht, die leichten Tonhöhenunterschiede eines Chors nachzubilden. Es gibt eine schimmernde Qualität, die uns zurück zu diesem spirituellen, göttlichen Gefühl bringt“, erklärt Sanchez. Gepaart mit dem Einsatz von Orgel und einer grüblerischen Moll-Melodie, beschwört der Song gleichzeitig das Heilige und das Sakrileg. Der Titeltrack „doggod“ hat vielleicht die größte Ähnlichkeit mit dem Material des Vorgängeralbums „Play With Fire“, in den schlanken und gemeinen Gitarren auf eine raue Rhythmusgruppe und verträumten Gesang treffen. Aber während ihr vorheriges Album ein Aufruf war, seinen eigenen Weg zu gehen, bleibt „doggod“ dem „Bis dass der Tod uns scheidet“-Thema des Albums treu und geht sogar so weit, ein Maß an Unterwerfung zu beschreiben, das in gefährliche und ungesunde Gefilde übergeht, wobei Sanchez singt „hang me on a leash / `til I wait for my release“. Letztendlich ist „doggod“ eine perfekte Verkörperung des Ansatzes von L.A. Witch. Es ist gleichzeitig romantisch und bedrohlich, ehrfürchtig und profan, eine Feier und ein Klagelied. Es spannt den Bogen zwischen Vergangenheit und Gegenwart, indem es vertraute Klänge aufgreift und sie für die Jetztzeit aufbereitet. Aber es läutet auch eine neue Ära für die Band ein, die über die Kodachrome-Erinnerungen an das Amerika der Jahrhundertmitte hinausgeht und tiefer in den mittelalterlichen und gotischen Energien von Paris und darüber hinaus gräbt, während sie gleichzeitig ein besudeltes Herz erforscht.

Suck My Shirt" ist das vierte Album für THE Coathangers. "Es balanciert auf dem schmalen Grat zwischen Zu-viel-Denken und Einfach-Machen", erklärt Gitarristin Crook Kid (Julia Kugel) in Bezug auf ihr Songwriting. Diese Zweischneidigkeit wird beim Album Opener ,Follow Me" sofort deutlich. Der Song hat eine klassische Coathangers Melodie mit dem heiseren Gesang von Stephanie Luke, der sich dem typisch kantigen Garagenrock der Coathangers hingibt. Doch dann kommt der Refrain und schlägt mit einem der eingängigsten Hooks in der Geschichte der Coathangers zu, just bevor es mit dem dissonanten Gekreische einer Gitarre weitergeht. Von da aus geht es mit ,Shut Up" weiter, einem Titel, der sich an der koketten Rotzigkeit der ersten Platte orientiert. Der Song hat seine spitzen Gitarrenriffs und den herausgerufenen Refrain, doch hier klingen die Coathangers weniger wie die Gute-Laune-Version von Huggy Bear und mehr wie der Art Pop der späten Minutemen. Alte Coathangers Fans werden die neuen Versionen von "Merry Go Round," "Smother," "Adderall," und "Derek's Song" von ihren limitierten 7"s erkennen. Hier im Kontext des Album zeigt sich, dass diese Songs ins Ganze passen und keine isolierten Tracks am anderen Ende des Coathangers-Spektrums sind. Wenn sich das Album dann mit der demütigen Pop-Perfektion von ,Drive" dem Ende zuneigt, ist es schwer zu glauben, dass wir hier dieselbe Band hören, die ihren Ruf rotzigem Bombast wie ,Don't Touch My Shit" verdankt.

L.A. WITCH melden sich mit dem neuen Album "Play With Fire" zurück. Vollgepackt mit reverb-lastigem Grunge- und Punk-Rock'n'Roll sind L.A. WITCH kühner, frecher und rockiger, als auf ihrem Debütalbum. Zwischen ihrem Tourneeplan, der Verfügbarkeit von Studios und dem Zeitplan für die Veröffentlichung von der Platte blieben L.A. WITCH lediglich zwei Monate um den Großteil der Arbeit für "Play With Fire" zu erledigen. Die Band isolierte sich im Januar und Februar, also vor den COVID-Maßnahmen, um einem effektiven Schreibprozess nachzugehen. Zwar haben L.A. WITCH sich auf ihrem neuen Album nicht komplett neu erfunden, aber definitiv sind sie mit den druckvollen Riffs und den fuzzigen Gitarren auf einem Song wie "I Wanna Lose" offensiv nach vorne geschritten. Selbst die Botschaft des Songs, eine Niederlage als Ausgangspunkt für Wiedergeburt und Erlösung zu sehen, übt eine Tiefe aus, die sich für die Band neu anfühlt. Im Laufe von "Play With Fire" durchquert die Band musikalisch die Geschichte des amerikanischen Rock'n'Roll von seiner rauen Kreuzung aus Blues und Country-Musik über die Psychedelia der 60er Jahre bis hin zur frühen Punk-Szene der 70er Jahre und dem Art-Rock aus New York City der frühen 80er Jahre. Trotz der stilistischen Breite auf "Play With Fire" gibt es auf den neun Titeln des Albums ein einheitliches Klangbild, so als besäße das Trio junger Musikerinnen alte rockige Seelen, die an die Klänge ihrer früheren Jugend anknüpfen.

Drei Jahre nach dem fesselnden Long Player Debüt ,Highly Refined Pirates" stellte die hochgradig stylische Seattler Indie Pop Band MINUS THE BEAR ihren mit beachtlichen Störimpulsen durchsetzten Prog Pop auf ihrem zweiten selbstmörderischem Album ,Menos El Oso" zur Schau. Die Jungs legten hierfür selbst ihre Hände an die Regler und übernahmen die Aufnahmen und Produktion gleich mit. Pendelnd zwischen verschiedensten Stilen, welche von '70s Prog Rockern (YES, RUSH) '80s Prototypen Punks (FUGAZI) bis hin zu '90s Art Rock Mind Fucks wie JAWBOX und JOAN OF ARC reichen, berufen sich MINUS THE BEAR auf eine moderne Liebesaffäre zwischen treibenden Tanz Rhythmen und höchst abgefahrenem Collegerock. Abgemischt wurde das Ganze vom Bandmitglied und angesehenen Studio Freak Matt Bayles (u.a.THE BLOOD BROTHERS, MASTODON, ISIS, PRETTY GIRLS MAKE GRAVES). Auf dem Album finden sich so illustre Gäste wie Judah Nagler & Josh Staples (THE VELVET TEEN), Michael Richardson (THE NEW TRUST) und HEATHER DUBY.

PEACE nahmen ihre zweite LP in der Heimatstadt von Pamela Anderson auf, einem nebligen Flecken namens Ladysmith an der Ostküste von Vancouver Island. ,The World Is Too Much With Us" gründet sich auf die Tiefe und die Dramatik, die aus dem Sound von PEACE schallt. Die Basslinien von Connor sind bedrohlich und hypnotisch. Die Gitarrensoli von Mike explodieren ohne Vorwarnung mit einem Wah-Wah-Donnerwetter. Die Tom Toms von Geoff beben in ursprünglicher Intensität. Und die Texte von Dan, die ihm bereits den Titel als ,Hofdichter des Post Punk" eingebracht haben, pendeln zwischen Bildern von trotziger Verzweiflung und liebestrunkener Sehnsucht.

NÜ SENSAE haben sich mit diesem Release ganz dem Risiko hingegeben - und es hat sich ausgezahlt! Wieder einmal beweisen sie, wie unvorhersehbar sie sind und haben ihren Status als Duo hinter sich gelassen (der Presse und Fans so gut gefiel), um Brody McKnight, den Noiserocker aus Vancouver, als Vollzeitmitglied zu rekrutieren. McKnight arbeitete vorher mit den legendären MUTATORS und bringt NÜ SENSAE als solcher eine neue Dimension der Härte in die sowieso schon atemberaubende Sludge Attacke der Band. Außerdem erlaubt die Band mehr Laut-Leise-Abwechslungen in ihrem Songwriting. Vom unheimlichen Trauergesang von ,Tea Swamp Park" bis zur unendlichen Weite von ,Say What You Are" zeigen die leisen Teile kleine Momente eines unbehaglichen Friedens zwischen der Attacke von Songs wie ,100 Shades," ,Tyjna" und ,Eat Your Mind" und den subtilen, unter Fuzz verborgenen Melodien von ,Burnt Masks" oder ,Dust". Trotzdem darf man hier keine Fehler machen: ,Sundowning" ist dafür gemacht, mit einer rohen Aggression zuzuschlagen, die nur aus dem Besten von Noise, Punk und Grunge stammen kann.

Fünftes Album von Holy Wave aus Austin, Texas. Im Tarot steht die Karte der Fünf Kelche für Verlust und Trauer. Die Karte zeigt eine verhüllte Gestalt mit gesenktem Kopf, die über drei verschüttete Kelche blickt, während sie die beiden verbleibenden Gefäße ignoriert. Die Fünf Kelche wird im Allgemeinen so interpretiert, dass sie ein verzweifeltes Verharren in der Vergangenheit und die Unfähigkeit darstellt, die positiven Dinge der Gegenwart zu schätzen. Die Tarotkarte wurde zur Muse für das sechste Album von Holy Wave, "Five of Cups". Zu Beginn ihrer Karriere lehnten sich Holy Wave in ein ruhiges Reich der Psychedelik zurück und verzichteten auf lange Jams und Gitarren-Heldentaten zugunsten eines verträumten Pop-Ansatzes. Als sich die Band weiterentwickelte, wich der frühe Sgt. Peppers-meets-the-Velvets-Sound ausgefeilteren Melodien und einer ausgefallenen Instrumentierung und lenkte ihre Musik weg von sonnengebleichter Nostalgie hin zu einer farbenfrohen Dimension, in der sich Klänge der Vergangenheit, Gegenwart und Zukunft vermischten. Wie Pink Floyd in den frühen 70er Jahren haben Holy Wave es verstanden, auf ihrem neuen Album aus dem Pathos ein Gefühl tiefer Erheiterung zu zaubern, indem sie dunkle Elemente durch eine Linse filtern und sie in ein Kaleidoskop des Lichts verwandeln. Five of Cups eröffnet mit dem Titeltrack, der von Anfang an den auditiven und thematischen Modus Operandi des Albums festlegt. Die lysergische Texturpalette von Holy Wave wird sofort in den wabernden Synthie-Leads und dem Gitarren-Jangle des Songs deutlich, aber die untypischen Akkordfolgen und die Gesangsmelodie lenken die Musik weg vom anodynen Eskapismus hin zu einer nachdenklichen Auseinandersetzung zwischen Selbstbestimmung und Defätismus. Holy Wave reiten weiter auf dem wehmütigen und phantasmatischen Zug von "Bog Song" und schwanken zwischen Anschwellungen von strengen Moll-Akkorden und überlagerter elektrischer Orchestrierung. Die zuvor veröffentlichte Single "Chaparral" spielt mit der Nostalgie der Band und verwebt Verweise auf ihre Vergangenheit in El Paso zu einem Teppich des transzendentalen Triumphs. Wie so oft bei klassischer, albumorientierter Rockmusik entfaltet sich die wahre Magie erst in der zweiten Hälfte von Five of Cups. Auf "The Darkest Timeline" rekrutieren Holy Wave ihre Freunde Lorena Quintanilla und Alberto Gonzalez von dem Psych-Duo Lorelle Meets The Obsolete aus Baja California, Mexiko, um ihren berauschenden After-Mid-Night-Grooves zusätzliche ätherische Schichten hinzuzufügen. "Nothing in the Dark" funktioniert nach einem ähnlichen Prinzip, wobei ein gleichmäßiges, treibendes Schlagzeugmuster als Fundament für bandverwaschene Synthesizer, arpeggierte Gitarrenakkorde, Fuzz-Sounds und ruhige Vocals dient. Die Überlegungen von Five of Cups zur Bekämpfung von Niederlagen und Enttäuschungen werden im letzten Stück des Albums, "Happier", direkt aufgegriffen. Wieder einmal auf der melodischen Linie zwischen Melancholie und luftiger Raffinesse, untersuchen Holy Wave das synthetische Konstrukt des Glücks in unserem modernen Zeitalter und wie oft die Erlangung von Komfort jegliches wahre Gefühl von Freude vermissen lässt. Dennoch ist dies kein nihilistisches Klagelied. Vielmehr ist es eine beschwingte Erinnerung daran, dass die Bandbreite menschlicher Erfahrung von Natur aus Höhen und Tiefen erfordert und dass Euphorie oft in der Suche außerhalb des Vertrauten zu finden ist.

Nach eigenen Angaben verbrachten Gitarrist Mike Sullivan und Drummer Daniel Turncrantz eine gewisse Zeit in amerikanischen Nationalparks und fuhren durch Berglandschaften, als sie "Station" aufnahmen. Ihr Album klingt auch entsprechend episch, monumental und besitzt eine unglaubliche Tiefe. Sullivan und Turncrantz bekamen prominente Unterstützung vom THESE ARMS ARE SNAKES/BOTCH Bassisten Brian Cook, während sich Morgan Henderson von den BLOOD BROTHERS (R.I.P.) auf "Xavii" dem Kontrabass annimmt. Aufgenommen in Seattle von Mastermind Matt Bayles (ISIS, MASTODON, MINUS THE BEAR), verpasste er der Band diesen intensiven und beeindruckenden Klang und achtete gleichzeitig darauf, dass "Station" den Namen Album auch wirklich verdiente: ein kohärentes Werk, vom ersten Lied Campaign bis zum letzten Lied mit Double Bass Xavii. Insgesamt sechs Stücke befinden sich auf "Station" und es ist ohne Untertreibung instrumentaler Postrock at its best! Ein echtes Kunstwerk. Gegründet 2004 haben RUSSIAN CIRCLES von Anfang an mit Versatzstücken des Metal, Elementen des Minimal Jazz und kryptischen Riffs, die so klangen, als sei ein Komet in einer Großstadt eingeschlagen, verwirrt, polarisiert und unendlich verzückt. Ihre Musik verwebt einen Teppich aus intensivsten cinematischen Eindrücken, der einem auf der einen Seite mit seiner Härte den Boden unter den Füßen wegzieht, es auf der anderen Seite aber auch versteht, den Aufprall zu bremsen und für Kopfkino ohne Gleichen sorgt. "Enter", ihr Debüt von 2006, bescherte RUSSIAN CIRCLES Shows mit Größen wie TOOL, DALEK, DAUGHTERS und PELICAN. RUSSIAN CIRCLES setzen mit "Station" genau dort an, wo sie mit "Enter" aufhörten, erschließen sich aber gleichzeitig einen neuen Weg in die musikalische Tundra, um Kopf und Körper mitzuziehen und nicht nur dem Jahre 2008, sondern der ganzen Musikgeschichte ihren Stempel aufzudrücken.