Secretly Canadian Vinyl, CD & Tape 200 Artikel

Julien Ehrlich und Max Kakacek konnten die erstaunlichen Unterschiede in den Songs hören, die sie für ihr drittes Album als Whitney, Spark schrieben - die beschwingten Drumloops, die mühelosen Falsett-Hooks, die überschwänglichen Keyboardlinien. Plötzlich klangen sie wie eine neu erfundene Band, deren einstmals klappriger Folk-Pop nun mit nie dagewesenem Schwung und Glanz erstrahlte. Aber konnten sie das auch sehen? Also beschlossen Julien und Max, es in dem Ad-hoc-Studio herauszufinden, das sie sich im Wohnzimmer ihres gemieteten Bungalows in Portland eingerichtet hatten - ein gemeinsamer Ausweg aus dem Jahr 2020 inmitten von Trennungen und Schließungen. Irgendwo zwischen Mitternacht und Morgengrauen spielten sie jede Nacht ihre neuesten Kreationen, während sich eine Baumarkt-Diskokugel über ihnen drehte und verlangsamte Musikvideos von Megastars leise auf YouTube abgespielt wurden. Passten ihre eigenen Popsongs - die so viel unmittelbarer und moderner waren als ihre verschwommenen Ursprünge - zu solchen Big-Budget-Rollen? "Wir kamen zu dem Schluss, dass wir zu diesem Zeug keine Super-8-Videos mehr drehen wollten", erinnert sich Julien mit einem Grinsen. "Wie wäre es mit etwas, das mehr Hi-Fi und Kinoqualität hat?" Als das Filmmaterial und die Melodien zusammenkamen, wussten Julien und Max, dass sie es geschafft hatten, dass sie endlich Whitneys Sound gefunden hatten. Spark macht Whitney wieder zu einem zeitgemäßen Syndikat des klassischen Pops. Ein Dutzend fantasievoller und liebenswerter Tracks umhüllen einnehmende Melodien mit Dilla-Beats im Paisley-Stil und üppiger Elektronik. Darüber hinaus reduziert Whitney drei Jahre extremer emotionaler Höhen und Tiefen auf 38 flotte, aber tiefgründige Minuten. Jeder dieser 12 Tracks ist eine singbare Lektion darüber, was sie (und eigentlich wir) alle überlebt haben. Die widerspenstige Langeweile des Openers "nothing REMAINS", der verheerende Verlust von "TERMINAL", die sonnendurchflutete Erneuerung von "real Love": So überraschend es auch klingen mag, Spark ist für Whitney weniger eine radikale Neuerfindung als vielmehr eine ehrliche Abrechnung damit, wie es sich anfühlt, wenn du dich aus deiner Vergangenheit in deine Gegenwart bewegst, wenn du die nächsten Schritte in deinem Leben und in deiner Karriere auf einmal und ohne Entschuldigung machst. Spark hat sich die Wärme und Leichtigkeit von Whitneys früherem Werk bewahrt; diese Lieder leuchten mit der Neuheit des Jetzt. Wenn du genau hinhörst, wirst du feststellen, dass in "Spark" häufig von Rauch und Feuer die Rede ist - eine doppelte Bedeutung für die Inspiration von etwas Neuem oder das Niederbrennen von Altem. Max und Julien waren tatsächlich im Herbst 2020 in Portland, als der Rauch der nahegelegenen Brände die Stadt in Rekordhöhe erstickte. Es war schrecklich und tragisch, aber sie machten weiter. "We found a way to live while the world was burning/Real life was caving in", singt Julien fast fröhlich in "back THEN", einer Hymne auf die Suche nach dem, was auf der anderen Seite des Elends liegt. In diesen düsteren Tagen sprechen Wissenschaftlerinnen und Wissenschaftler immer öfter von "scrutiny", einem evolutionären Wunder, das manche Bäume dazu bringt, nur in der Zeit des Feuers Samen zu bilden. So fühlt sich Spark oft an _ Whitneys Umstände waren auf so vielen Ebenen so belastend, dass sie "die Vergangenheit zum Trocknen aufhängten" und neu begannen, um nach dem Brand eine neue Version von sich, ihrer Beziehung und ihrer Band zu finden. Max und Julien sind jetzt wieder in Chicago und teilen sich eine gemütliche Wohnung mit einem kleinen Studio, in dem sie bereits an den Songs für das nächste Whitney-Album arbeiten. Sie haben auch beide eine glückliche Beziehung. Jetzt, wo sie die Vergangenheit ruhen lassen, ist für Max und Julien alles neu. Spark ist nicht nur Whitneys bestes Album, es ist auch ein inspirierendes Zeugnis für Durchhaltevermögen und Erneuerung, für beste Freunde, die einander genug vertrauen, um sich gegenseitig auf die andere Seite dieser Leidenszeit zu tragen.

„Clouds In The Sky They Will Always Be There For Me“ wurde Anfang 2024 in Somerset vom langjährigen Big Thief- und Laura Marling-Tontechniker Dom Monks aufgenommen und ist ein Moment des Erwachsenwerdens, inspiriert von Burnout, der Musikindustrie, Herzschmerz und der zunehmenden Vertiefung der Bandleaderin Dana Margolin in ihr eigenes Handwerk als Künstlerin. Margolins rücksichtsloser, sich selbst hinterfragender Schreibstil wird auf dem gesamten Album durch die bisher ergreifendste Musik der Band ergänzt, die sich geduldig aufbaut und tragisch intensiv ist.

Nach dem ausgiebig gefeierten Meisterwerk ,Slave Ambient" (2011) erscheint nun zwei Jahre später - im März 2014 - das dritte Album der aus Philadelphia stammenden Band THE WAR ON DRUGS. "Lost in the Dreams" heißt das neue Glanzstück der Band um Adam Granduciel, deren Gründungsmitglied Kurt Vile mittlerweile solo unterwegs ist. Mit der Veröffentlichung des letzten Albums ,Slave Ambient" gelang der Band der langersehnte und verdiente Durchbruch. Daraufhin tourte die Band zwei Jahre lang von North Carolina bis New York City durch alle Rockclubs, spielte auf unzähligen Festivals und in Late Night-TV-Shows, die Amerika so zu bieten hat. Mit dieser Erfahrung im Gepäck tüftelte Granduciel gemeinsam mit dem Produzenten Jeff Zeigler (Lymbyc Systym, Kurt Vile u.a.) am neuen, dritten Album. Die Band komplett machen außerdem Dave Hartley (Bass) und Robbie Bennet (Piano u.a.), die auch im privatem Leben zu Granduciels engstem Umfeld gehören.Er sagt selbst zu seinem neuen Werk: ,Ich wollte, dass es ein Projekt unter Freunden wird. Jeder einzelne in der Band nimmt unser Projekt ernst. Davon handelt auch unser Album - Freundschaft, Erwachsen werden, das Leben leben und einander zu helfen."Diese persönliche und berufliche Weiterentwicklung ist auch im Sound der Band zu hören. Nicht zuletzt ist Granduciel nicht nur Kopf einer Indie-Rockband, sondern hat auch eine unverkennbare Stimme, um sich der Welt mitzuteilen.

"Atlanta Millionaires Club" von Faye Webster ist für die 21-jährige Songwriterin und Fotografin aus Atlanta bereits die dritte Albumveröffentlichung, aber die erste für Secretly Canadian. "Atlanta Millionaires Club" ist eine Sammlung von Songs, die dem Gefühl der Einsamkeit inmitten einer vorhandenen Gemeinschaft auf den Grund gehen. Die Musik basiert auf Alternative-Folk, bedient sich jedoch einer weiten Vielfalt von musikalischen Einflüssen und Genres, auch beeinflusst durch Websters Zeit in der Hip-Hop-Szene Atlantas in den Rap-Kollektiven von PSA und Awful Records. Die genreübergreifende Sammlung an Songs verbindet Websters federleichten Gesang, intimes Songwriting und ihren Scharfsinn, weil sie auffallend verletzlich und mutig aus ihrer eigenen Introvertiertheit und Herzschmerz schöpft. Den zehn Songs des "Atlanta Millionaires Club" unterliegt eine ganz eigene Traurigkeit, die von flüchtigen Beobachtungen und einem unerwarteten, schlitzohrigen Sinn für Humor unterbrochen wird: "Everything is way personal. I've never been that kind of person who can read a book and then write a song about the book," so Webster. "I have to write about very personal things for me to even want to write". "Atlanta Millionaires Club" wurde von Webster und Drew Vandenberg koproduziert und bei Chase Park Transduction in Athens, Georgia, aufgenommen. Der Titel geht auf Websters Vater zurück, der zusammen mit seinen Freunden während der Schulzeit regelmäßig an Aktionen für wohltätige Zwecke teilnahm und irgendwann dieser Gruppe den ironisch zu verstehenden Beinamen verpasste - als protzigen Kontrast zur harschen Realität.

Die Songs von Faye Webster sind ein direkter Draht zum menschlichen Unbewussten, und "Underdressed at the Symphony" dokumentiert, was passiert, wenn man beginnt, aus den Trümmern der alten Routinen ein neues Selbst aufzubauen. Schon ihre zuvor veröffentlichten Songs "But Not Kiss" und "Lifetime" zeigen das selten erforschte Gebiet emotionaler Intimität, in dem Verlangen und Leidenschaft im Konflikt mit Trost, Verständnis und sogar platonischer Liebe stehen. Diese Themen finden sich in "Underdressed at the Symphony" wieder, zusammen mit hyper-spezifischen Symbolen, die ein Bild von Websters Leben zeichnen, wie z.B. "eBay Purchase History" oder die physischen Objekte, die sie begehrt bei "Lego Ring". Eine Art Unbeschwertheit, allerdings mit melancholischem Rückgrat, ist die treibende Kraft hinter dem Song "Lego Ring", auf dem Atlanta-Multikünstler Lil Yachty als einzige Gaststimme auf dem Album zu hören ist. An einigen Stellen schwebt sein gespenstisches Trillern direkt unter Websters Stimme und sticht durch die Leere über einem tiefen Grollen des Basses. Es ist die Art der klanglichen Zusammenarbeit, die auf der Grundlage eines langen gegenseitigen Verständnisses und einer engen Freundschaft gelingt, die bereits seit Schulzeiten besteht. "Underdressed at the Symphony" wurde mit ihrer langjährigen Band in den Sonic Ranch Studios in Texas aufgenommen und schwelgt in Experimentierfreudigkeit, Verspieltheit und Abenteuerlust. Vocoder-Momente, Schnörkel eines Orchesters, gruselige Harmonien und Synthesizer kommen zum Vorschein, ohne die räumliche Qualität von Websters früherer Musik zu beeinträchtigen, sodass ihre Texte nach wie vor genügend Raum haben, mit zusätzlichen Bedeutungsebenen an die Oberfläche sprudeln. Matt "Pistol" Stoessels Pedal Steel-Klänge sorgen für genau den richtigen Schimmer, während Nels Cline von Wilco seine unbestreitbar gefühlvollen Fingerfertigkeiten zu einer Reihe von Songs beisteuert. Das Zusammenkauern an der buchstäblichen Grenze zwischen den USA und Mexiko bot den Musike...

Hinter Skullcrusher verbirgt sich kein Gothic angehauchtes Metal-Project sondern die in LA lebende Singer/Songwriterin Helen Ballentine. Ballentine spielt schon fast ihr gesamtes Leben lang Musik: Klavier seit ihrem fünften Lebensjahr und Gitarre seit der Highschool. Nachdem sie von ihrer Heimat in Upstate New York nach Los Angeles gezogen war, um dort Kunst zu studieren, kündigte sie ihren Full Time-Job in einer Galerie und sah sich plötzlich mit einer ungewohnten Freiheit konfrontiert. Diese nutze sie, um sich zum ersten Mal ernsthaft mit Musik und dem Songwriting zu widmen. Die vier dunklen, verträumten Songs auf der ,Skullcrusher"-EP, die mit Produzent Noah Weinman entstanden sind, sind von einer seltsamen, doch irgendwie passenden Verschmelzung mit den Medien beeinflusst, die die Musikerin unmittelbar nach der Kündigung ihres 9-to-5 Jobs konsumierte. Nick Drake, Ambient Electronica oder der tschechische New-Wave-Film ,Valerie and her Week of Wonders": Sie alle prägten ,Skullcrusher"s Ästhetik. Da ist Ballentines Liebe zur Fantasie und zum Surrealismus, ihre Wertschätzung für die Art und Weise, wie Fantasy-Romane Schönheit und Gewalt nebeneinanderstellen - vielleicht auch eine Anspielung auf ihren Künstlernamen Skullcrusher. ,I thought a lot about my self-worth during this period of unvertainty. Places/Plans` attempts to communicate the beauty and vulnerability of being alone and what it means to let someone else in to see that. It feels like the thematic core of the EP. It is a song for being alone in your room, lying on the floor with a book and the window open, but also for letting someone in to lie with you." Als Skullcrusher arbeitet Helen Ballentine ganz bewusst und entscheidend mit spärlichen Arrangements und fügt minimalistische Klänge so geschickt zusammen, dass ein voller Raum entsteht.

Limitierte Wiederveröffentlichung auf weißem Vinyl Eine präzise Replik der 1969er Auflage Das ,Wedding Album" von John Lennon und Yoko Ono, das ursprünglich 1969 veröffentlicht wurde, war die dritte experimentelle Platte des Paares und eines der bemerkenswertesten Zeugnisse einer intensiven romantischen und künstlerischen Partnerschaft, die bis zu Lennons tragischem Tod 1980 vierzehn Jahre dauern sollte. Am 20. März 1969 wurden John und Yoko in einem Standesamt in Gibraltar verheiratet. Um das Ereignis zu feiern, verbrachten die Brautpaare eine Woche im Amsterdamer Hilton Hotel im Bett, luden die Pressevertreter zu Interviews und Fotosessions in ihr Zimmer ein und nutzten ihren Ruhm und die durch ihr ,Bed-in" erzeugte Öffentlichkeit, um auf ihre Kampagne für den Weltfrieden aufmerksam zu machen. Mit dem ,Wedding Album" schufen Lennon und Ono eine dauerhafte Momentaufnahme eines pulsierenden popkulturellen Moments, mit den Feindseligkeiten des Vietnamkriegs als Kulisse. Es fängt den Humor, den Ernst und die Spontaneität ein, die die frühen Jahre der ,Ballad of John and Yoko" kennzeichneten.Das innovative und originelle Packaging vom ,Wedding Album", welches vom Grafikdesigner John Kosh entworfen wurde, enthielt eine Schachtel mit Souvenirs von Lennon und Onos Hochzeit: Fotos, eine Kopie der Heiratsurkunde des Paares, sowohl Lennons als auch Onos Zeichnungen, ein Bild von einem Stück Hochzeitstorte und vieles mehr. Mit einer getreuen Nachbildung vom ,Wedding Album" in limitierter Auflage als weißer Vinyl-LP, Compact Disc und digitalen Download-Formaten stellen Secretly Canadian und Chimera Music fünfzig Jahre nach der Hochzeit von John und Yoko eine der ungewöhnlichsten und emblematischsten Aufnahmen der sechziger Jahre wieder zur Verfügung. Eine mehr als angemessene Würdigung des goldenen Hochzeitstages von zwei der bedeutendsten Persönlichkeiten des 20. Jahrhunderts.

Los Angeles` neuer Soul-Pionier Joey Dosik verfeinerte sein
Handwerk als Teil einer aufkeimenden Los Angeles-Szene, die die
klassische Popmusik neu erfindet, um in der Gegenwart zu
gedeihen. Mit ,Inside Voice", das eine Reihe von Dosiks engsten
Kollaborateuren aufweist - darunter Moses Sumney, Miguel
Atwood-Ferguson, Mocky, Coco O, Theo Katzman und andere -
liefert Joey Dosik eine Tiefe, die in einem Debüt selten erreicht
wird. Das Ergebnis ist jetzt schon ein Klassiker. Ein Album voller
Emotionen, die verweilen und summen. Es ist unfassbar eingängig
und begleitet dich tagelang. Man kann ,Inside Voice" entweder
gelegentlich anhören oder stundenlang auf repeat laufen lassen. So
oder so begeistert das Album - Joey Dosik schreibt Musik für
Menschen und das grandios gut! Auf Albumlänge beweist er
bemerkenswertes Talent, der klassische Soulsound wird
weiterentwickelt und Dosiks unheimliches Talent für Songwriting
und sein bemerkenswerter Stimmumfang weisen den Weg.
,Inside Voice" folgt Dosiks gefeierter Debüt-EP Game Winner, die
Anfang des Jahres von Secretly Canadian wiederveröffentlicht
wurde..

Joey Dosik - von Quincy Jones als ein Künstler bezeichnet, den
man im Auge behalten sollte - veröffentlicht über Secretly
Canadian eine Deluxe Version seiner Game Winner EP,
angereichert mit vier Bonustracks. Joey ist ein wesentlicher Teil
einer Szene von Musikern in L.A., die Vintage Klänge in die
Gegenwart tragen. Durch unermüdliches Touren war Joey 2017
fast durchgängig unterwegs - sei es mit Vulfpeck, Lake Street Dive
oder aufgrund seiner eigenen Konzerte. Als passionierter
Basketball und NBA Fan, trat er sogar für das NBA Publikum im
Madison Square Garden, Staples Center und anderen ikonischen
Stadien in den USA auf. ,Game Winner" ist eine heitere und
gefühlsgeladene Sammlung Songs, die locker von der Sprache und
den Weisheiten des Basketballs inspiriert sind - Joeys erster
großen Liebe (seine ersten Erinnerungen rühren von den
Besuchen diverser Lakers Spiele) bevor die Musik in sein Leben
trat. "My dad used to say, 'Sports is a metaphor for life'," erinnert
sich Joey. "At first look "Game Winner" is about basketball; but it
is a song that holds multiple meanings, it is universal."

Nachdem sie 2011 ausgiebig in Nordamerika und Europa getourt hatten, verbrachten SUUNS den Winter und den Frühling 2012 damit, in ihrer Heimat Montreal Songs zu schreiben und aufzunehmen. Ihre Sessions fanden zur gleichen Zeit wie die Studentenproteste in Quebec statt, die im Februar 2012 begannen und bis September 2012 andauerten. Gegen den Hintergrund, den Sänger Ben Shemie als ,Klima aus Aufregung, Hoffnung und Frustration" umschreibt, zielten SUUNS darauf ab, die musikalischen Ideen ihres von Kritikern anerkannten Debütalbums auszuweiten. NME rief SUUNS 2011 als ,beste neue Band" auf, so dass SUUNS ihre Herangehensweise weiter durchdacht haben und minimalistische Techniken zum Einsatz kommen lassen, um maximalistische Effekte zu erzielen. Einmal mehr mit Jace Lasek von BESNARD LAKES als Produzent legt ,Image Du Futur" mit ,Powers Of Ten" los und packt das Manifest der Platte bereits in die ersten Zeilen: "Got it together/I read in the paper/all of these strangers/stranger and stranger.../No, no, no, no, how you try and remember/how all of these pieces/all fit together." Shemie erklärt: "Als Band haben wir versucht, von weiter weg auf die Musik zu schauen und mehr Details im Bild zu erkennen, während wir die Landschaft ausweiteten." Die erste Single, ,Edie's Dream" beginnt mit einer einzigen Basslinie, die wiederholt wird und aus der sich einzelne Schichten aufbauen: zuerst das Schlagzeug, dann ein Fluss aus weißem Rauschen; Gitarrenechos, dann Gesang. Die smarten Wechsel des Songs erinnern an Jazz und sind filigran, fast unterbewusst. ,Edie's Dream" ist mehr astrale Produktion als Song und zeigt uns, wohin die SUUNS-Reise geht.

"Saint Bartlett" beginnt mit einer Herrlichkeit, die man so auf noch keinem Album von DAMIEN JURADO gehört hat. Es trägt einige Schichten Farbe im Anstrich des Hauses ab, in dem JURADO in den letzten zehn Jahren gelebt hat. Der neue Anstrich ist berauschend und lässt die gesamte Nachbarschaft in neuem Licht erstrahlen. Es ist eine bescheidene Herrlichkeit, die immer noch fest mit der Heimat verwurzelt ist. Das Mellotron schwillt an, himmlische Handclaps erstrahlen in Stereo und große Drums öffnen den Himmel, damit die Songs fliegen lernen. Und dann erst die Texte. Worte sprudeln aus dem Geysir DAMIEN JURADO, voller Hoffnung. Tatsächlich ist die Hoffnung so überbordend, dass der Albumopener als Konversation zwischen JURADO und seinem Ich daherkommt. "I wish that I could float up from the ground / I will never know what that's like". Krasses Zeug, doch die Produktion von Richard Swift trifft Spector-mäßig auf den Punkt. Er rudert JURADO über den Fluss, wo die Metamorphose stattfindet. Dann rudert er ihn zurück und es ist durch die Perspektive von Swift, dass wir JURADO nicht als Folksänger, sondern als Mystiker sehen - irgendwo zwischen VAN MORRISON, SCOTT WALKER und WAYNE COYNE. "Saint Bartlett" entstand in nur einer Woche in Swifts National Freedom Studio in Oregon mit nur JURADO und Swift als Musikern.

Die Songs von Faye Webster sind ein direkter Draht zum menschlichen Unbewussten, und "Underdressed at the Symphony" dokumentiert, was passiert, wenn man beginnt, aus den Trümmern der alten Routinen ein neues Selbst aufzubauen. Schon ihre zuvor veröffentlichten Songs "But Not Kiss" und "Lifetime" zeigen das selten erforschte Gebiet emotionaler Intimität, in dem Verlangen und Leidenschaft im Konflikt mit Trost, Verständnis und sogar platonischer Liebe stehen. Diese Themen finden sich in “Underdressed at the Symphony” wieder, zusammen mit hyper-spezifischen Symbolen, die ein Bild von Websters Leben zeichnen, wie z.B. "eBay Purchase History" oder die Objekte, die sie bei "Lego Ring"begehrt.

“Underdressed at the Symphony” wurde mit ihrer langjährigen Band in den Sonic Ranch Studios in Texas aufgenommen und schwelgt in Experimentierfreudigkeit, Verspieltheit und Abenteuerlust. Vocoder-Momente, Schnörkel eines Orchesters, gruselige Harmonien und Synthesizer kommen zum Vorschein, ohne die räumliche Qualität von Websters früherer Musik zu beeinträchtigen, sodass ihre Texte nach wie vor genügend Raum haben, mit zusätzlichen Bedeutungsebenen an die Oberfläche sprudeln. Matt „Pistol“ Stoessels Pedal Steel-Klänge sorgen für genau den richtigen Schimmer, während Nels Cline von Wilco seine unbestreitbar gefühlvollen Fingerfertigkeiten zu einer Reihe von Songs beisteuert. Das Zusammenkauern an der buchstäblichen Grenze zwischen den USA und Mexiko bot den Musiker*innen Raum zum Isolieren, Konzentrieren und Experimentieren. Alle Songs auf diesem Album sind Live-Aufnahmen, von denen einige bereits beim ersten oder zweiten Take aufgenommen wurden und Websters Talent zeigen, aus einem ganz bestimmten, scheinbar kleinen Moment eine universelle Erfahrung zu ziehen.

serpentwithfeet, der in Baltimore geborene Sänger und Songwriter, geht als vielseitiges Talent mit natürlichen Schritten von Kapitel zu Kapitel in seiner Karriere. Sein drittes Album Grip ist auf der Tanzfläche schwarzer Schwulenclubs beheimatet und handelt von den intimen Momenten, die sich dort und danach ereignen, ganz gleich, an welchem Ort. Es erforscht die kleinen Momente der körperlichen Berührung und wie sie entstehen. Ob es ein Griff um die Taille oder das Gesicht ist, serpentwithfeet schafft es, alle Blickwinkel zu erkunden. Grip und der Black-Gay-Club stehen in einem interessanten Verhältnis zueinander: Der Club ist öffentlich; die Tanzfläche ist offensichtlich ein Ort, an dem sich die Menschen gegenseitig anschauen und beobachten. Gleichzeitig ist der Black Gay Club ein sicherer Gemeinschaftsraum, er ist "für uns" und in dieser Hinsicht sehr privat, sehr intim. Diese Clubs boten ihm eine andere Atmosphäre, einen anderen Komfort und ein anderes Gefühl des Willkommenseins, das ihn auf eine neue Weise förderte. Von Anfang bis Ende durchlebt Grip klanglich die Höhen und Tiefen nicht nur einer Clubnacht, sondern auch einer Romanze. "Damn Gloves (ft. Ty Dolla $ign and Yanga YaYa)" fängt den Adrenalinrausch eines nächtlichen Höhepunkts mit einem wummernden Bass ein, der in eine Dance-Produktion eingebettet ist, die die Geschwindigkeit des Herzschlags nachahmt, wenn die Intimität zwischen zwei Liebenden hoch kocht. "Spades" nutzt eine süße, gitarrenbetonte Melodie, um einen zärtlichen Moment zu schaffen, wie es ein Slow-Dance tun würde. "Lucky Me" ist süß und ehrlich, ohne irgendetwas, das vom eigentlichen Moment ablenkt. Seine Stimme, eine glitzernde Gitarrenmelodie und bezaubernde Synthies dienen als treibende Kraft, um eine neue Romanze zu fördern. Es ist ein Werk, das die Momente hervorhebt, die dem Herzen am nächsten sind. Im Laufe seiner siebenjährigen Karriere hat er seine Vielseitigkeit durch R&B-Musik bewiesen, die sowohl düster als auch spirituell und fröhlich ist. serpentwithfeet geht immer wieder an die Grenzen seiner Kunst.

serpentwithfeet, der in Baltimore geborene Sänger und Songwriter, geht als vielseitiges Talent mit natürlichen Schritten von Kapitel zu Kapitel in seiner Karriere. Sein drittes Album Grip ist auf der Tanzfläche schwarzer Schwulenclubs beheimatet und handelt von den intimen Momenten, die sich dort und danach ereignen, ganz gleich, an welchem Ort. Es erforscht die kleinen Momente der körperlichen Berührung und wie sie entstehen. Ob es ein Griff um die Taille oder das Gesicht ist, serpentwithfeet schafft es, alle Blickwinkel zu erkunden. Grip und der Black-Gay-Club stehen in einem interessanten Verhältnis zueinander: Der Club ist öffentlich; die Tanzfläche ist offensichtlich ein Ort, an dem sich die Menschen gegenseitig anschauen und beobachten. Gleichzeitig ist der Black Gay Club ein sicherer Gemeinschaftsraum, er ist "für uns" und in dieser Hinsicht sehr privat, sehr intim. Diese Clubs boten ihm eine andere Atmosphäre, einen anderen Komfort und ein anderes Gefühl des Willkommenseins, das ihn auf eine neue Weise förderte. Von Anfang bis Ende durchlebt Grip klanglich die Höhen und Tiefen nicht nur einer Clubnacht, sondern auch einer Romanze. "Damn Gloves (ft. Ty Dolla $ign and Yanga YaYa)" fängt den Adrenalinrausch eines nächtlichen Höhepunkts mit einem wummernden Bass ein, der in eine Dance-Produktion eingebettet ist, die die Geschwindigkeit des Herzschlags nachahmt, wenn die Intimität zwischen zwei Liebenden hoch kocht. "Spades" nutzt eine süße, gitarrenbetonte Melodie, um einen zärtlichen Moment zu schaffen, wie es ein Slow-Dance tun würde. "Lucky Me" ist süß und ehrlich, ohne irgendetwas, das vom eigentlichen Moment ablenkt. Seine Stimme, eine glitzernde Gitarrenmelodie und bezaubernde Synthies dienen als treibende Kraft, um eine neue Romanze zu fördern. Es ist ein Werk, das die Momente hervorhebt, die dem Herzen am nächsten sind. Im Laufe seiner siebenjährigen Karriere hat er seine Vielseitigkeit durch R&B-Musik bewiesen, die sowohl düster als auch spirituell und fröhlich ist. serpentwithfeet geht immer wieder an die Grenzen seiner Kunst.

Rotes Vinyl + signiertes Artprint.Man kann es nur als Alchemie bezeichnen, die transformative Magie, die in den besten Momenten der Yeah Yeah Yeahs im Studio passiert, wenn ihre einzigartige Chemie Funken schlägt und sich ein Portal öffnet, aus dem ein Song wie "Maps" oder "Zero" oder die neueste Ergänzung ihres Kanons, "Spitting off the Edge of the World featuring Perfume Genius" - ein epischer Schuss ins Herz purer YYYs-Schönheit und -Power - herauskommt. Mit Cool It Down, ihrem fünften Studioalbum und dem ersten seit Mosquito aus dem Jahr 2013, kehrt das legendäre Trio zurück. Die acht Tracks umfassende Sammlung, die ein Meilenstein in ihrem Katalog sein wird, ist eine fachkundige Destillation ihrer besten Gaben.