Erased Tapes HHV Records 134 Artikel

re-release.
In den letzten beiden Jahren war Nils Frahm damit beschäftigt, hinter den majestätischen Wänden des historischen Berliner Funkhauses ein neues Studio zu bauen: den Saal 3. Damit erfüllte sich Frahm einen Kindheitstraum, den er hegte, seit er das erste Mal das beeindruckende Tonstudio eines Familienfreundes erleben durfte. Bei der Renovierung wurden nicht nur sämtliche Kabel, Leitungen und Vertäfelungen neu montiert. Auch eine Orgel und ein komplettes Mischpult, die er in Eigenregie mit Hilfe von Freunden konstruiert hatte, fanden im Saal 3 ihren Platz. So entstand ein Ort, an dem Musik wachsen kann und wo Ideen kultiviert werden können. Das heißt ein Raum, in dem Frahm seine Musik so gestalten und präsentieren kann, dass sie seinen eigenen Vorstellungen so nah wie möglich kommt. In diesem Kreativreich an der Spree entstand aus den immensen Freiräumen und Möglichkeiten heraus "All Melody", Frahms siebtes Studioalbum. Es ist der wohlklingende Beweis dafür, dass Musik wirklich keine Grenzen kennt. Dass sie zeitlos ist. Und dass Frahm einen sehr langen Weg zurückgelegt hat - vom staunenden Kind bis zu einem Künstler, der die Parameter der Musik im eigenen Studio komplett selbst steuern kann.

Mit Slipmat aus Kork!

Zehn Jahre nach der Veröffentlichung ihres bahnbrechenden selbstbetitelten Albums feiern Kiasmos mit einer limitierten Auflage auf blauem Vinyl. Die Pressung ist weltweit auf 2000 Stück limitiert. Das Album, das allein auf Spotify über 100 Millionen Mal gestreamt wurde, ist zu einem unverzichtbaren Album der elektronischen Musik geworden und hat seitdem Künstler auf der ganzen Welt inspiriert. Nach der erfolgreichen Kampagne zum Nachfolgealbum ("ii") Anfang des Jahres scheint es nun an der Zeit zu sein, sich darauf zu besinnen, wo alles begann: mit zwei Freunden, die im Studio experimentierten und Spaß hatten.

Auch wenn seine Ergebnisse meist ziemlich elektronisch klingen, die ersten Ideen entstehen oft zuerst am Klavier, auf der Violine oder der Gitarre. Nicht anders verhielt es sich bei den sechs Stücken, die der Londoner Elektronik-Produzent Ryan Lee West aka Rival Consoles für "Sonne" einspielte. Wie sein Vorgänger "Odyssey" erscheint auch diese EP beim Label Erased Tapes, dem Zuhause der zeitgenössisch-klassischen Komponisten Nils Frahm, Olafur Arnalds und Peter Broderick. Mit seinen minimalistisch-elektronischen Arrangements, die auf der Basis kraftvoller Klang- und Rhythmuswellen Atmosphäre und Raum kreieren, fügt sich der experimentelle Sounddesigner wunderbar in dieses namhafte Künstlerensemble ein. Für "Sonne" hat Ryan Lee West Musik geschaffen, die sich selbst um einen Puls herum strukturiert, anstatt den Puls als bestimmendes Element festzusetzen. Den Kernsound der EP bilden neben einem alten Bandverzögerungsgerät analoge Synthesizer wie der Moog Voyager, gelegentlich hören wir den Musiker auch live an der Akustik-Gitarre oder am Schlagzeug.

Zehn Jahre nach der Veröffentlichung ihres bahnbrechenden selbstbetitelten Albums feiern Kiasmos mit einer limitierten Auflage auf blauem Vinyl. Die Pressung ist weltweit auf 2000 Stück limitiert. Das Album, das allein auf Spotify über 100 Millionen Mal gestreamt wurde, ist zu einem unverzichtbaren Album der elektronischen Musik geworden und hat seitdem Künstler auf der ganzen Welt inspiriert. Nach der erfolgreichen Kampagne zum Nachfolgealbum ("ii") Anfang des Jahres scheint es nun an der Zeit zu sein, sich darauf zu besinnen, wo alles begann: mit zwei Freunden, die im Studio experimentierten und Spaß hatten.

Mit "The Beautiful World" schlägt der gebürtige Kalifornier ein vollkommen neues Kapitel auf, indem er mehr denn je auf emotionalen Tiefgang und die Schönheit der Introspektion setzt. Basierend auf einem ganz neuen Verständnis davon, weshalb er überhaupt als Komponist arbeitet, umkreist sein viertes Album für Erased Tapes die großen Themen der Menschheit - den Tod und die Trauer, Sehnsucht und Verlust.Im Kern geht es dabei um den tragischen Selbstmord eines jungen Mädchens namens Lauren, das zum engen Freundeskreis der Familie Allred gehörte. Es gibt Musiker:innen, die mit einem neuen Instrument experimentieren, ein neues Thema für sich erschließen oder eine neue künstlerische Sprache lernen, um sich insgesamt in eine neue Richtung zu bewegen. Für Allred jedoch war eine lange Phase der Introspektion und Selbstbeobachtung entscheidend, um seine aktuelle Herangehensweise zu entwickeln:Durch den intensiven Austausch mit Robert Raths, dem Gründer von Erased Tapes und Produzenten des neuen Albums, wurde Allred schließlich klar, dass jede:r eine Lauren in seinem Leben hat - einen Menschen, den man verloren hat und vermisst.Die Korrespondenz versetzte Allred in die Lage, diesen Faden deutlicher zu erkennen und ihn auch klarer als zentrales Konzept der neuen Aufnahmen zu verankern. Die Musik spiegelt dabei keineswegs das Chaos wider, das mit dem Trauma einherging.Stattdessen entfaltet sie vielmehr ihre heilende Kraft. Insgesamt ermöglichte dieser Austausch es Allred, sein womöglich kohärentestes Studioalbum aufzunehmen.Ein zentraler Einfluss von The Beautiful World ist dabei auch Allreds Arbeit als Therapeut, was seine Sicht aufs Komponieren nachhaltig prägen sollte. Früher habe er Musik geschrieben, um sich in diesem Prozess gewissermaßen von seinem Leben zu distanzieren. Auf dem neuen Album jedoch bewegt er sich nun in die entgegengesetzte Richtung: Es geht genau um diese Verbindungen - zum eigenen Leben und auch zu anderen Menschen. Obwohl viele seiner früheren Aufnahmen zusammen mit an...

Ben Lukas Boysens neues Album, Alta Ripa, bedeutet eine seismische Verschiebung in seiner künstlerischen Reise. Es greift die grundlegenden Impulse seiner Jugend auf, die inmitten der ruhigen Schönheit des ländlichen Deutschlands geprägt wurden - eine bukolische Kulisse, in der seine kreative Palette aufblühte. Doch erst sein Umzug nach Berlin in den frühen 2000er Jahren elektrisierte seinen Sound und ließ ihn mit der pulsierenden Energie der Stadt und den vielfältigen kulturellen Einflüssen verschmelzen. Alta Ripa fängt diese transformative Erfahrung ein, indem es die introspektiven Melodien seiner ländlichen Anfänge mit den kühnen, experimentellen Klängen der pulsierenden elektronischen Musikszene Berlins vermischt. Dieses Album ist ein Zeugnis von Boysens Entwicklung und zeigt, wie geografische Verschiebungen den künstlerischen Ausdruck tiefgreifend prägen können.

re-releaseDer Elektroniker Ryan Lee West aka Rival Consoles verbrachte seine Jugend mit dem Experimentieren zwischen IDM, Glitch und Dance Music. Dabei war der Engländer immer auf der Suche nach einem organischeren, vermenschlichten Sound. Mithilfe analoger Instrumente und Equipment reduziert er die musikalischen Bausteine so lange, bis der Klang genügend Platz zum Atmen bekommt. Auch die Fünf-Track-Maxi "Odyssey" schafft mit möglichst minimalen Arrangements Atmosphäre und Raum. Der Mann aus Leicester ist besessen von der Idee der Reduktion. So sind die Tracks "Odyssey" und "Voyager" nackt und geben ein großartiges Gefühl für Raum. Geräusche von brechendem Eis, Schutt und Trümmern, mechanische Klicklaute, Störgeräusche und das Zupfen von Gitarrensaiten stehen in einer Wechselwirkung mit den einfachen Arrangements und erzeugen kleine Spuren von Rhythmus. "Diese Musik ist schlau genug, auch außerhalb des Clubs zu funktionieren" schrieb der "Musikexpress" über Rival Consoles. "Odyssey" erscheint inklusive Downloadcode.

Der in Berlin lebende Pianist Nils Frahm gehört zur Speerspitze der Neoklassik-Szene. Durch seine unkonventionelle und zugleich vertraute Herangehensweise an sein Instrument, gewann er den Zuspruch der Fans wie von Kollegen wie Peter Broderick, Olafur Arnalds und Anne Müller. Auf "Felt" lädt er in eine Welt voll kleinster zarter Klänge ein. Klänge, die aus der Not geboren wurden: Ursprünglich wollte Frahm seinen Nachbarn einen Gefallen tun und dämpfte sein Klavier mit Filz. "Dadurch entdeckte ich, wie schön mein Klavier gedämpft klingt." Gefesselt von dieser akustischen Entdeckung, brachte er im Inneren des Instruments Mikrofone an - so nah an den Saiten, dass sie diese annähernd berührten. Dadurch wurden Nebengeräusche wie Atmen, das Scharren der Klaviermechanik oder das Ächzen des Holzfußbodens mit aufgenommen, die andere Produzenten normalerweise vermeiden würden. Meine Kopfhörer werden zum Mikroskop und lassen mich in die Welt der unhörbaren Laute tauchen", so Frahm.

Daumenbruch kurz vor dem 30. Geburtstag? Für Nils Frahm kein Hindernis, doch noch rechtzeitig neun intime Klavieraufnahmen einzuspielen und sie seinen Fans anlässlich seines Jubeltags online zur Verfügung zu stellen. Dabei gibt es für einen Pianisten wahrlich kaum eine schlechtere Nachricht als ein Daumenbruch. Frahm, der international längst ein Star der modernen Klassik ist und mit Zeitgenossen wie Olafur Arnalds, Peter Broderick und Efterklang kooperiert, ließ sich von dem Missgeschick (Sturz vom Hochbett) nicht beirren. Entgegen des Rats seines Arztes trainierte er die restlichen neun Finger und nahm peu á peu die vorliegenden neun kleinen Lieder auf. Als der Gips ab war, war das Album fertig. Die Musik ist mal wieder "ein Balsam" (BBC Music). Die LP erscheint inklusive eines Album-Download-Codes.

Ein außergewöhnliches Album und eine geradezu bewusstseinserweiternde Klang-Erfahrung.Zwei Jahre nach seinem großen Erfolg "Persona" aus 2018 kehrt der Londoner Elektro-Musiker und Produzent Rival Consoles endlich mit dem rundum überzeugenden "Articulation" zurück. Das Album entstand als konzeptionelles Experiment, das erforschen will, inwieweit visualisierte Strukturen sich musikalisch umsetzen und hörbar machen lassen. Während des Schreibprozesses zeichnete Ryan Lee West (aka Rival Consoles) also konkrete Formen und Muster von Hand, um zu versuchen dem Entstehungsprozess elektronischer Musik eine haptisch erfahrbare und vom Computer vollständig losgekoppelte Grundstruktur zu geben. Dazu passend wurde der Albumtitel gewählt, der sich auf ein Stück des zeitgenössischen Avantgarde-Komponisten Györgi Ligeti bezieht, weil dieses eine ganz ungewöhnliche grafische Partitur hat. Die Idee, analoge Zeichnungen und Werkzeuge zur Entwicklung digitaler Kreationen zu verwenden, ist deutlich hörbar: Auf "Articulation" beschwören grüblerischen Techno-Nummern, nostalgische Ambient-Meditation, pulsierende Soundscapes traumwandlerische Stimmungen herauf. Die Zeichnung wird zu Klang und Rhythmus und diese zur frei fließenden Energie.

Zur Feier des fünften Piano Days erscheint Nils Frahms All Encores Serie als 3-LP Set. Lag der Fokus von Encores 1 vor allem auf akustischen Klangwelten - Soloklavier und Harmonium standen hier im Mittelpunkt -, woraufhin Frahm für Encores 2 verstärkt auf Ambient-Texturen setzte, konzentriert er sich mit Encores 3 in erster Linie auf die rhythmischen und elektronischen Aspekte seiner Musik. "Die Idee zu All Encores hatten wir genau genommen schon vor All Melody: Nämlich drei Veröffentlichungen zu machen, von denen jede ihren eigenen musikalischen Stil hat und ihr eigenes Thema. Wir hatten daher zunächst sogar an ein Triple-Album gedacht. Doch dann wurde All Melody immer größer und verdrängte diese ersten Konzeptideen", kommentiert Frahm die Entstehung. "Ich denke, die Idee von All Encores ist gewissermaßen mit klanglichen Inseln zu vergleichen, die All Melody einrahmen."

Hochwertige 10th Anniversary Vinyl Edition des elegisch-poetischen Debuts "Paper Canyon" - zeitlos schönes Instrumental-Post-Rock-Album zwischen Zartheit und Opulenz. 10 Jahre nach ihrem Debut Album "Paper Canyon" geben Codes in the Clouds eben jenes als 10th Anniversary Vinyl Edition heraus. Es war das Album mit dem sich die fünfköpfige Band 2009 schlagartig einen festen Platz in der Post-Rock Musikszene machte - harmonisch, opulent, dann wieder zart und von einer primitiven,dramatischen Schönheit. Ein instrumentales Post-Rock Album, dass sich auf wenige, lange Stücke konzertiert, die sich langsam aufbauen und entwickeln, ganz auf die Musik fokussiert in ihren starken und fragilen Strukturen. Die Special Edition zum zehnten Geburtstag ist für die Band auch ein Anlass die eigene Musik zu reflektieren; im Rückblick fällt auf, wie jung man gewesen sei, sagt Bassist Joe Power über "Paper Canyon", das Album konnte so nur geschrieben werden, weil man gerade erst in den 20ern war. Zudem es sei großartig, dass es nun endlich in dem Format veröffentlicht wird, für das es entwickelt wurde. "Paper Canyon"hat in zehn Jahren nichts eingebüßt, es ist noch immer und nun wieder ein Album von zeitloser, melancholisch-poetischer Schönheit. [ENG] In 2009 instrumental rock music experienced a new peak. Codes In The Clouds, the English quintet of Ciaran Morahan, Stephen Peeling, Jack Major, Joe Power and Robert Smith had found a firm place in this vast growing scene, spearheaded by the likes of Mogwai and 65daysofstatic - whom CITC supported live. With their harmonious and blissful sound they weaved guitar melodies, liable to explode any minute. Now Codes In The Clouds celebrate their tenth anniversary with the first vinyl edition of their seminal debut album Paper Canyon, released on June 7th via Erased Tapes. Completed under the experienced eye of Justin Lockey (Minor Victories, The Editors, Yourcodenameis: Milo, The British Expeditionary Force) and with the vinyl master cut by legendary engineer Barry Grint (Radiohead, Oasis, Kate Bush) at Alchemy, London, Paper Canyon has lost none of its original urgency; at once energetic and charming, always surprising and unpredictable. Bassist Joe Power recalls; "Paper Canyon was recorded in the late summer of 2008 over 5 days in Doncaster. Being a bunch of Camden Market-dwelling teenagers in the early 2000's, we were big fans of Yourcodenameis:milo and were of course in love with The British Expeditionary Force, so hearing from Robert at Erased Tapes that Justin Lockey was going to produce the album was beyond exciting for us. The days in the studio were long, but working with two perfectionists in Justin and James Lockey you knew that the long days were going to be worth it. Looking back on the process now, the memories that stand out are the endless shouts of "tune up!" after every take, the nearby café that offered "bottomless toast" with every breakfast (challenge accepted). Above all else, I think what stands out the most when reflecting on this record and listening to the tracks now is how young we were. This album could only have been written by people just entering their 20's. It has been great going through all the songs, the demos and the videos from that time and we're really excited to finally have the album released in the format for which it was designed." In 2010, the band released Paper Canyon Recycled, a remix album which included reworks by label peers Nils Frahm and Rival Consoles, among many other friends, and all proceeds going to Friends of the Earth. To coincide with the re-issue and its 10th anniversary, Codes In The Clouds will perform Paper Canyon in its entirety as part of Portals Festival at Tuffnell Park Dome in London on June 8th, as well as Tramlines Festival at West Street Live in Sheffield on July 21st. 'A perfectly presented first statement of their intentions... sending jolts from shoulders to fingertips' (8/10) - Clash aper Canyon overflows with gaping gorges of pretty passages prone to gathering momentum before enveloping unsuspecting ears whole... A debut record of real maturity' (9/10) - Rock Sound elicate guitar focussed pages that bloom and explode with primitive, dramatic beauty' - Uncut

Erased Tapes rundet ein Jahr voller Feierlichkeiten zum 10-jährigen Jubiläum mit einer ganz besonderen Veröffentlichung ab: 1+1=X vereint exklusives Material aller Künstler*innen auf dem Label.

Inklusive brandneuer Stücke von unter anderem Nils Frahm, Kiasmos und A Winged Victory For The Sullen, entstand 1+1=X unter der Prämisse, ein Album als Kollektiv aufzunehmen.

Das ursprünglich 2013 erschienene und international gefeierte Werk "Stories" war das erste Album, das der in Berlin lebende Komponist und Vibraphonist Masayoshi Fujita unter eigenem Namen veröffentlichte. Es bildete den Auftakt für eine Trilogie von Solo-Vibraphon-Alben, dessen letzter Teil, "Book Of Life", im Sommer 2018 bei Erased Tapes herauskommt. "Book Of Life" ist letztlich auch der Grund dafür, warum das Londoner Label "Stories" als weltweite Neuauflage noch einmal in die Läden bringt. Der Zeitpunkt ist gut gewählt, da 2018 perkussiver Ambient eine Art Renaissance erlebt, unter anderem befeuert durch die Wiederveröffentlichung von Midori Takadas wegweisendem Album "Through The Looking Glass" in 2017 sowie Ryuichi Sakamotos "Comeback", dessen Soundtracks durchaus Parallelen zu Masayoshis Storytelling-Klangwelten aufweisen. In den vorangegangenen Jahren fokussierte der ausgebildete Schlagzeuger sein künstlerisches Schaffen ausschließlich auf das Vibraphon und prägte so einen ganz eigenen Ansatz zwischen Ambient und moderner Komposition. Das Vibraphon "ist ein recht junges Instrument, und doch wird es fast immer auf dieselbe Art gespielt", so der Berliner Exilant. "Ich habe das Gefühl, dass es da noch viel mehr zu erkunden gibt mit dieser spannenden Erfindung."

Bislang war "Illogical Dance" exklusiv in Japan erhältlich, im März 2018 erscheint die EP der japanischen Sängerin international und erstmals auch als Vinyl. In vier unvorhersehbaren, geheimnisvollen und wunderschönen Tracks präsentiert Hatis Noit ungekannte, die Geräusche der Natur nachahmende Klangwelten, die ganz ohne Worte auskommen. Für ihre komplexen und komplett improvisierten Skulpturen greift sie auf so unterschiedliche Elemente wie westliche Klassik, japanischen Folk und natürliche Töne zurück. Der immense Stimmumfang von Hatis Noit basiert auf einem vollkommen autodidaktischen Ansatz, der erstaunliche Einflüsse verbindet: Gagaku, der höfische Musikstil Japans, und verschiedene Operntraditionen zählen ebenso dazu wie bulgarische und gregorianische Gesänge oder Pop- und Avantgarde-Sänger. Bemerkenswert: Es ist kein einziges Sample zu hören - selbst wenn es so klingt, als ob herabgefallene Blätter zerdrückt werden, es ist Hatis Noits Stimme, die dieses Geräusch imitiert. Die von Haruhisa Tanaka und Matmos koproduzierten Vokalwelten erinnern an den experimentellen Ansatz Meredith Monks, der mit der ausgefeilten Produktionsweise einer Holly Herndon vereint wird.

Auf "Dysnomia" verzichtet die aus Brooklyn stammende Gruppe Dawn Of Midi auf Improvisation zu Gunsten der Komposition. Dazu nutzt sie anspruchsvolle, rhythmische Strukturen nord- und westafrikanischer Musiktraditionen, um einen Klangteppich aus tranceartig-bewegenden Grooves zu weben. Von Nahem mag man nur Punkte sehen, doch wenn man zurücktritt, enthüllt sich einem ein welliges Bild. "Wir wollten nichts Intellektuelles erschaffen", sagt Pianist Amino Belyamani, "wir wollten etwas Intuitives, etwas, dass unsere instinktiven Tanzimpulse weckt." Belyamani, Kontrabassist Aakaash Israni und Schlagzeuger Qasim Naqvi lernten sich 2006 am Institut für Künste in Los Angeles kennen. Der Grund, weshalb die Musik eines Akustiktrios letztendlich wie elektronische Musik klingt, hat etwas mit der unkonventionellen Art zu tun, wie die Gruppe auf "Dysnomia" ihre Instrumente spielt. Dawn Of Midis Spiel ist energetisch und rhythmisch wie ein nahtlos-gemischtes DJ-Set, klingt gleichzeitig futuristisch wie klassisch. Das Doppelvinyl erscheint mit Downloadcode.

Der in Berlin lebende Pianist Nils Frahm gehört zur Speerspitze der Neoklassik-Szene. Durch seine unkonventionelle und zugleich vertraute Herangehensweise an sein Instrument, gewann er den Zuspruch der Fans wie von Kollegen wie Peter Broderick, Olafur Arnalds und Anne Müller. Auf "Felt" lädt er in eine Welt voll kleinster zarter Klänge ein. Klänge, die aus der Not geboren wurden: Ursprünglich wollte Frahm seinen Nachbarn einen Gefallen tun und dämpfte sein Klavier mit Filz. "Dadurch entdeckte ich, wie schön mein Klavier gedämpft klingt." Gefesselt von dieser akustischen Entdeckung, brachte er im Inneren des Instruments Mikrofone an - so nah an den Saiten, dass sie diese annähernd berührten. Dadurch wurden Nebengeräusche wie Atmen, das Scharren der Klaviermechanik oder das Ächzen des Holzfußbodens mit aufgenommen, die andere Produzenten normalerweise vermeiden würden. Meine Kopfhörer werden zum Mikroskop und lassen mich in die Welt der unhörbaren Laute tauchen", so Frahm. Das Vinyl erscheint mit einem Download-Code.

Ben Lukas Boysens neues Album, Alta Ripa, bedeutet eine seismische Verschiebung in seiner künstlerischen Reise. Es greift die grundlegenden Impulse seiner Jugend auf, die inmitten der ruhigen Schönheit des ländlichen Deutschlands geprägt wurden - eine bukolische Kulisse, in der seine kreative Palette aufblühte. Doch erst sein Umzug nach Berlin in den frühen 2000er Jahren elektrisierte seinen Sound und ließ ihn mit der pulsierenden Energie der Stadt und den vielfältigen kulturellen Einflüssen verschmelzen. Alta Ripa fängt diese transformative Erfahrung ein, indem es die introspektiven Melodien seiner ländlichen Anfänge mit den kühnen, experimentellen Klängen der pulsierenden elektronischen Musikszene Berlins vermischt. Dieses Album ist ein Zeugnis von Boysens Entwicklung und zeigt, wie geografische Verschiebungen den künstlerischen Ausdruck tiefgreifend prägen können.

Mit dem neuen Studioalbum setzt Fujita seine musikalische Entdeckungsreise fort, indem er sich konsequent auf unbekanntes Terrain bewegt.Nachdem er 13 Jahre lang in Berlin gelebt hatte, kehrte Fujita im Jahr 2020 mit seiner Ehefrauund den drei gemeinsamen Kindern nach Japan zurück. Dort erfüllte er sich einen Lebenstraum,denn er wollte schon immer aufs Land ziehen - und mitten in der Natur leben und arbeiten. Ihrneues Zuhause fand seine Familie in den Hügeln nahe der Küste von Kami-cho in der PräfekturHyogo, etwa drei Stunden westlich von Kyoto.Auf dem neuen Album entlockt der Komponist und Produzent dem Vibraphon, seinem Trademark- und Kern-Instrument, faszinierende und vollkommen neue Klänge, und zugleich setzt er jene Experimente mit Marimba und Synthesizern fort, die er auf dem Vorgängeralbum Bird Ambience (2021) begonnen hatte. Zuvor hatte er sein gefeiertes Vibraphon-Triptychon, bestehend aus den Alben Stories (2012), Apologues (2015) und Book of Life (2018), zum Abschluss gebracht. Wie bereits auf Bird Ambience sind unsere gefiederten Freunde auch dieses Mal die zentraleInspirationsquelle. Der Albumtitel Migratory bezieht sich auf ein Bild, das ihm kam, als er überZugvögel nachdachte, die irgendwo zwischen Afrika, Ostasien und Japan leben. Er stellte sichvor, wie sie die Musik der verschiedenen Regionen und Landstriche unter sich hören - und wiediese gelebte Vogelperspektive nicht nur die Grenzen der Musik, sondern auch die der Länderverwischt und ausradiert.

Das 50-minütige Werk für 3 Vibraphone und 20-kanalige 1-Bit-Elektronik wird von der dynamischen französischen Gruppe ensemble 0 aufgeführt, die nach ihrer Zusammenarbeit mit Peter Broderick im Jahr 2023 zu Erased Tapes zurückkehrt. Perichs Musik überspannt die Kluft zwischen Elektronik und Klassik, wobei er Streichinstrumente, Klavier, Orgel und andere akustische Instrumente mit speziell angefertigter 1-Bit-Elektronik kombiniert. Open Symmetry reduziert das Ensemble auf nur drei Musiker, die die resonanten Metallstäbe von drei Vibraphonen spielen, begleitet von einem glitzernden Ensemble aus 20 Lautsprechern, von denen jeder seinen eigenen musikalischen Teil der Komposition spielt.

Sheherazaad ist eine US-amerikanische Komponistin und Sängerin, derenzeitgenössische Folk-Pop-Synthese, produziertvon Arooj Aftab, einer neuen Welle der klanglichen Innovation aus der Diaspora Teil wird. In der modernen Welt ist Migration omnipräsent. Sie durchzieht sämtliche Lebens- und Alltagsbereiche, steckt oftmals verschlüsselt in unseren Gewohnheiten. Während unzählige Menschen sowohl mental als auch körperlich mit nie da gewesener Aggressivität die Globalisierung vorantreiben, werden einst stabile "Genres" und Identitäten jeder Art zerlegt - aufgespalten und abgeschafft, überflüssig gemacht und wieder neu geboren. Alles migriert, alles ist in Bewegung. In genau diesem fluktuierenden Feld findet Sheherazaad Inspirationen für ihre Songs. Ihr Minialbum Qasr entstand während einer Phase der familiären Entfremdung. Auch die Trauer über einen Todesfall in der Familie und die rassistische Polarisierung ihres Landes, das plötzlich kaum wieder zu erkennen war, prägten die Aufnahmen. Der Titel des Albums bedeutet auf Urdu (der Nationalsprache in Pakistan und einigen indischen Bundesstaaten) so viel wie "Burg" oder "Festung". Und tatsächlich ist Qasr ein Monument: Es verkörpert die Last der Vertreibung, die widersprüchlichen Sog- und Anziehungskräfte der Diaspora - und das schreckliche Problem der Auslöschung, des Vergessens der eigenen Wurzeln. Um genau diese Art der Erfahrung geht es, um die Gewalt, die Hysterie, auch um die Romantisierungen, die damit einhergehen, wenn Sheherazaad klanglich eintaucht in jenes In-Between - ins Reich des Dazwischen. Die Aufnahmen fanden im Herzen von Brooklyn im Glass Wall Studio statt. Die unbeschreibliche Energie der nächtlichen Sessions speiste sich dabei vor allem aus der einzigartigen (und einzigartig internationalen) Konstellation der Mitwirkenden: u.a. mit dabei waren auch Basma Edrees (Ägypten), Gilbert Mansour (Libanon) und Firas Zreik (Palästina); gemastert von Heba Kadry (Björk, Ryuichi Sakamoto). Auf Qasr lädt uns Sheherazaad in eine betörende und vollkommen neue Klangwelt ein: in ein Reich der Musik, das genau genommen noch gar nicht von dieser Welt zu sein scheint. Zugleich lässt sie die Fackel der nomadischen Erfahrung auflodern, gibt auch diesem Feuer einen sehr viel prominenteren Platz. Insgesamt entwirft die Künstlerin mit diesem betörenden Album ihre eigene Festung. Denn sie will auch uns dazu ermutigen, unsere eigenen Festungen, unsere eigenen klanglichen König:innen-Reiche und unmöglichen Traumwelten zu entwerfen

Vom Vorprogramm von Sigur Rós zu einer Weltkarriere, und das binnen zwei Jahren. Nicht schlecht für einen Musiker, dessen Musik so zärtlich, so minimal daherkommt wie die von Olafur Arnalds. Auf seinem zweiten regulären Album setzt Olafur Arnalds seine Mission fort, eine Indie-Generation aus Pop- und Rockfans in eine Welt aus betörender elektronischer Kammermusik und klassischen Arrangements zu locken. Für "... And They Have Escaped The Weight Of Darkness" lud Arnalds Bardi Jóhannsson (Bang Gang) als Co-Produzenten ein. Folgerichtig klingt das Werk mehr denn je nach einem organischen Crossover. Jóhannsson färbte die minimalen Arrangements mit einer Vielzahl an Instrumenten (Schlagzeug, Gitarre, Stimme, Rhodes) ein. Das Album und eine die Veröffentlichung begleitende Welttour zeigen die rasante Entwicklung des jungen Isländers zu einem internationalen Star. Zuletzt veröffentlichte Arnalds die "Found Songs", eine Sammlung von ursprünglich im Web veröffentlichten Songs. "Schlichtweg schockierend und unendlich groß" ("de:bug").

Im Herbst 2023 erscheint bei Erased Tapes das Album Give It to the Sky: Arthur Russell"s Tower of Meaning Expanded. Bei der vom Komponisten und Producer Peter Broderick und dem 12-köpfigen Ensemble 0 aus Frankreich aufgenommenen Version, handelt es sich um eine erweiterte Neuinterpretation von Arthur Russells minimalistischer Orchesterkomposition "Tower of Meaning", die erstmals im Jahr 1983 veröffentlicht wurde. "Give It to the Sky.." vereint zudem auch unveröffentlichte Stücke von Russell, die überarbeitet und neu aufgenommen wurden. Mit ihrer umwerfenden, insgesamt 80 Minuten langen Hommage hauchen Broderick und Ensemble 0 dem "Tower of Meaning" neues Leben ein und verknüpfen diesen minimalistischen Meilenstein mit etlichen verlorenen Songideen aus Russells Nachlass. Das komplette Album, das so gut wie ohne Overdubs auskommt, wurde live in einem kleinen Theater im Südwesten Frankreichs eingespielt. Gewiss war Russell nie ein Freund endgültiger Versionen. Er dachte kontinuierlich über die Möglichkeiten eines Stücks nach und fragte sich, was es sonst noch alles sein oder werden könnte. "Give it to the Sky" knüpft ganz klar an diese Herangehensweise an, indem es "Tower of Meaning" als grobes Framework nutzt, um darauf aufzubauen, diesen atmenden Kern nach oben und nach außen zu erweitern - und insgesamt etwas entstehen zu lassen, das man ganz klar in Russells wundersam-paradoxer Welt verorten kann. Auch "Give it to the Sky" kann somit keineswegs als letztes Wort oder ultimative Interpretation gedacht sein. Broderick und Ensemble 0 sind längst darüber im Austausch, welche Formen es auf der Bühne annehmen oder wohin es sonst führen könnte.

Die Weltuntergangsuhr steht derzeit auf 90 Sekunden vor Mitternacht. So nah waren der große und der kleine Zeiger noch nie dran, unsere totale Zerstörung zu signalisieren, seit der konzeptionelle Chronograph 1947 ins Leben gerufen wurde. Wenn wir schon am Rande des Abgrunds tanzen, dann sollten wir auch dafür sorgen, dass die Musik gut ist. Daniel Brandt von der hochgelobten deutschen elektroakustischen Band Brandt Brauer Frick führt den apokalyptischen Rave mit seinem dritten Soloalbum "Without Us" an.