Grönland Vinyl, CD & Tape 104 Artikel

Im vergangenen Herbst hat Kat Frankie das Publikum mit ihrem Projekt B O D I E S überrascht, erstaunt, zu Tränen gerührt und begeistert. Auf ihrer Tournee hat sie unter anderem die Elbphilharmonie und die Berliner Philharmonie ausverkauft. Die Show hat mit ihrem A-capella Ensemble die Zuschauer*innen zu Standing Ovations hingerissen. Der Klang von B O D I E S ist in der Tat ein ganz Besonderer: Ohne Instrumente auf der Bühne liefert das achtköpfige Ensemble eine erstaunliche Bandbreite menschlicher Emotionen ab. Manchmal unglaublich kraftvoll, manchmal zärtlich und nachdenklich, reichen Frankies Kompositionen hierbei von leidenschaftlich bis verspielt. Und dann ist da natürlich noch die schiere körperliche Kraft von acht Frauenstimmen in Harmonie.

Auf dem Album B O D I E S erkundet Frankie die Möglichkeiten des mehrstimmigen Gesangs noch weiter. Während einige Lieder dem Publikum bereits bekannt sein werden, sind neue Werke wie „Wonder“ und „Petrichor“ reine A-Capella Kompositionen. Frankie hat dabei auf eine Hauptstimme verzichtet, um sich stattdessen auf satte Harmonien und die Erzeugung einer wohlige Wärme zu konzentrieren. Kat Frankies Gesang auf „All of It“ ist ebenfalls minimalistisch, doch er sprüht nur so vor Sehnsucht und erhebt sich über den mantraartigen Hintergrund des Ensembles. In „Joan Didion“ geht es – das gilt es zu beachten – nicht um die Autorin, sondern um die Entfremdung und den Kummer ihrer Protagonistin. Das Epos „Versailles“ ist inspiriert von der Geschichte des Frauenmarsches in Versailles im Jahr 1789, einem Protest von Pariser Marktfrauen, die über den Brotmangel verärgert waren. Schließlich schlossen sich den Frauen Tausende von Menschen an und daraus entstand eines der bedeutendsten Ereignisse der Französischen Revolution.

David Sylvian kündigt eine überarbeitete, remasterte Wiederveröffentlichung von 'Sleepwalkers' an, die zudem den bislang unveröffentlichten Track 'Modern Interiors' enthält. Aber von vorne: In den 2000er Jahren produzierte David Sylvian zwei seiner stärksten und eigenwilligsten Solo-Werke, 'Blemish' und 'Manafon'. Doch diese Platten erzählen nicht die ganze Geschichte. Parallel nämlich arbeitete Sylvian an einer Reihe von Kooperationen und Nebenprojekten mit anderen Größen der Pop- und Improvisationsmusik, der elektronischen und zeitgenössischen klassischen Musik. Die besten dieser Aufnahmen versammelte er auf 'Sleepwalkers', 2010 erstveröffentlicht und nun sorgfältig neu sequenziert und abgemischt: die Früchte einmaliger Begegnungen und lebenslanger Partnerschaften; sie springen von Glückseligkeit zu Intrigen, von Romantik zu Sinnlichkeit, während archetypische Experimente in den üppigsten Pop münden.

Lavender, das Debütalbum der Alternative-R&B-Musikerin Mulay, ist ein zutiefst persönliches Projekt. In zwölf kunstvoll intimen Songs verarbeitet sie eine intensive, schmerzhafte Erfahrung mit toxischer Liebe. Aber Lavender ist viel mehr als ein klassisches Heartbreak-Album. Es ist ein Plädoyer dafür, an Verletzungen und Enttäuschungen zu wachsen. Ein Leuchtfeuer im Sturm dunkler Zeiten, das von Heilung, Selbstentdeckung und Empowerment erzählt. Stärke durch Verletzlichkeit – das ist das Mantra dieser Platte.

Mit Lavender setzt die in Berlin lebende Singer-Songwriterin, Produzentin und Künstlerin den Weg fort, den sie mit zwei EPs begonnen hat: Antracyte (2021) und Ivory (2022) ergänzten sich konzeptionell zu einem interdisziplinären Gesamtkunstwerk aus Sound, Gesang, Visuals und Performance, bei dem ambivalente Gefühle, Licht und Dunkelheit, zusammengedacht werden. Entstanden sind die Songs zwischen Paris, London und Berlin – zusammen mit alten (Llucid, Novaa), aber vor allem mit neuen Kreativpartnern wie den französischen Produzenten/Multiinstrumentalisten Elie Zylberman und Jules Minck. Auf der Suche nach ihrer kompromisslosen Wahrheit bewegt Mulay sich fließend zwischen innovativem Songwriting und ambitionierten Produktionen, die weite, kaleidoskopartige Soundräume voll von souligem R&B, Hip Hop und Electronica aufmachen. Mulay verwandelt Schmerz und Wut in fiebrig aufgeladene, ansteckende Soundscapes, in denen Downtempo-Momente und schnellere, tanzbare Beats sirupartig zu einem emotionalen Rausch zusammenfließen.

Es ist ein Fall von popkultureller Archäologie. Eine Spurensuche der elektronischen Musik. Nach über 30 Jahren tauchen verschollene Tapes von Holger Czukay wieder auf, die er einst "zur freien Verfügung" eingespielt hatte. Eine Sound-Meditation von 1997, die nun erstmals neu gemastert im Original und in einer "Version" von die Angel (Ilpo Väisänen / Dirk Dresselhaus) und Zappi W. Diermaier von der Krautrock-Legende Faust vorliegt.

Die Arbeiten aus dem Czukay-Studio sind eigenwillige Klangstrukturen, die Mastering-Ingenieur Dresselhaus alias Schneider TM einschätzt als "futuristisches Kleinod, das für seine Entstehungszeit musikalisch weit vorne ist." Für ein abstraktes Klanggebilde "tief und emotional" wie er sagt. Eine Komposition, die mit Avantgarde oder Neue Musik nur unzureichend beschrieben ist. Ein echter Czukay eben. Die Genese dieser Aufnahmen führt in die freigeistigen 1990er, als Holger Czukay in Köln mit jüngeren Techno-Kollegen wie Dr. Walker von Air Liquide mit Beats experimentierte und sich ansonsten sehr für die leise Explosion der digitalen Medien interessierte.

Es war der Tech-Pionier und Medienkünstler Arthur Schmidt alias Gvoon, der ihn in langen Gesprächen auf die (damals futuristische) Data-Maschine "RealityEngine" brachte, mit der sich virtuelle Welten erschaffen ließen. Vom Full-Body-Tracking-System bis zum gemeinsamen Prototyp eines "Internet-TV-Senders". Darauf liefen experimentelle Czukay-Videos, die er mit neuen Samples und Klangfragmenten ausstattete. Später wurde eine kontemporäre Show namens "Czukay/Gvoon:Magazine" daraus und auch die "Can-Live-Soloprojekts" im März 1999, ausgestattet mit der Body-Tracker-Technik von Gvoon. Die DDR-Vergangenheit seines Tech-Sparringspartners Schmidt, der ihm von seiner Zeit in Stasi-Haftanstalten erzählte, setzte in Czukay einen kreativen Prozess frei. Er setzte dieses Trauma in Töne um und machte ihm ein musikalisches Geschenk. "Gvoon-Brennung 1", eine Gabe, die Schmidt "irgendwann" einmal verwenden könne. Einfach so. Ein Soundtrack, der ganz profan auf Digital Audio Tape übergeben wurde.

Über 20 Jahre später brachte Schmidt das "Czukay-Geschenk" für eine zum Kunstwerk umfunktionierte Verhörzelle des Ministeriums für Staatssicherheit (MfS) wieder zum Einsatz. Als Installation für einen stockfinsteren, bedrückenden Raum mit Gummiwänden. Hier stieß wiederum Dresselhaus auf das Material. Ihm wurde klar, dass er dort mehr hörte als irgendwelche 1990er-Fragmente: "Es ist irgendwie Blues-mäßig, auf eine kybernetische und abstrakte Art." "Mit einem sehr langsamen Groove, der einen die gesamte Strecke aufmerksam hält", sagt Dresselhaus. Er beschreibt den Mastering-Prozess sowie die Neubearbeitung in Form der "Gvoon-Version 1" als Balanceakt zwischen Respekt vor dem historischen Material und einer zeitgemäßen Studio-Bearbeitung.

Eine respektvolle Verbeugung zum 87sten Geburtstag von Holger Czukay im März 2025.

"Manchmal führt das Schicksal Regie auch in Sachen Musik. Herbert Grönemeyers neues Album Mensch erscheint zu einer Zeit, in der sich Deutschland in einem Gefühlsaufruhr befindet, die Flutkatastrophe im Osten die Gemüter aufwühlte und den nicht verarbeiteten Ossi-Wessi-Konflikt mit Elbe-Wasser hochspülte, die durch Aktienkurven verschütteten Werte wie Hilfsbereitschaft und Mitgefühl neu aktivierte. Und all das in Wahlkampfzeiten, in denen jetzt mit Menschlichkeit gepokert und gepunktet wird. Dabei ist Grönemeyers Album Trauerarbeit, die er seit 1999 aufgrund eigener Schicksalsschläge leistete, um aus der tiefsten inneren Leere ("Unbewohnt" und "Der Weg") wieder neuen Lebensmut, ja Lebenslust zu gewinnen ("Viertel vor", "Das Meer").

Und dennoch decken sich viele der persönlichen, poetischen und allegorischen Textzeilen frappant mit der momentanen Stimmung im Land, was die Hitsingle "Mensch" beweist, Grönemeyers erste Nummer eins in den Single-Charts und die neue Hymne der Stunde. Songs wie "Neuland" und "Kein Pokal" wirken wie knirschende Sandkörnchen in der geölten Phrasendresch-Maschine des bundesrepublikanischen Alltags, sozusagen als humaner Subtext aus dem Blickwinkel der Zuhörer auf das Unausgesprochene zwischen den Zeilen.

Musikalisch überspringt der Bochum-Star aus Göttingen mit seinem britischen Co-Produzenten Alex Silva leichtfüßig wie nie die Genres, von der nachdenklichen Pianoballade zum vehementen Gitarrenrock auf "Neuland" (mit Guano Apes-Gitarrist Hennig Rümenapp als einer von vieren), vom ausgelassenen Mambo über Dance-Rhythmen auf "Blick zurück", von opulenten Streicherarrangements bis hin zum nostalgisch verfremdeten Trichtermikrofon auf dem Abschiedslied "Dort und hier". Beim Bonus-Hidden-Track "Demo - Letzter Tag" verbreitet ein improvisierter Gospelchor Hoffnung.

Zyniker, die Grönemeyer Gefühlsduselei vorwerfen, kann man getrost vergessen. Auch jene so genannten Coolen ohne jegliche Gefühlsbeziehung verdrücken dann und wann heimlich ein Tränchen vor dem CD-Player. Mit dem allzu menschlichen Plädoyer Mensch geht das sogar auf hohem Niveau." - Ingeborg Schober

Dieses Album entstand, nachdem Herbert als erster deutschsprachiger Künstler für die legendäre MTV-Serie Unplugged eingeladen wurde. Herbert Grönemeyers "Unplugged" ist mehr als nur ein Muss für jeden Fan, es ist Pflicht. Akustisch perfekt, musikalisch vielseitig und genial, präsentiert sich dieses Album. Für Grönemeyer-Fans und -Kenner sind besonders die alten Lieder ein Genuss. Doch auch die verschiedenen Songs der Platte "Chaos" erklingen in ihrer Neuinterpretation sogar klangvoller und besser als auf der im Studio aufgenommenen CD. Keine Frage, eine große Ehre für MTV, mit Herbert diese Platte herauszugeben!

Das 1973 von Neu!- und Cluster-Mitgliedern gegründete Trio markierte eine Wende im Krautrock: Weg von der Fusionitis, weg vom überambitionierten Gegniedel, weg von der Ironie, die allzu oft nur lausige Fähigkeiten kaschierte. Harmonia spielte seine impressionistischen Skizzen mit minimalistischem Gestus. Kein Text trübte den Sound, alles war repetitiv, friedlich atmosphärisch und irgendwie LoFi. Brian Eno hörte sich so tief rein in diese kitschlosen Versponnenheiten, dass er den Ambient erfinden konnte. Heute, nach 31 Jahren, klingt das etwas unfertig, vor allem die Ein- und Ausstiege, doch der naive Charme der Musik blieb erhalten. Das Album bildet den Auftakt einer Reihe von remasterten Neuauflagen legendärer Brain-Platten. Darunter auch "II" von Cluster. Hat Eno natürlich auch intensiv gehört.

Als im Sommer 2008 Philipp Poisels erste Single "Wo Fängt Dein Himmel An" erschien, der das gleichnamige Debütalbum im Herbst folgen sollte, wusste man zwar, wo 'sein' Himmel anfängt, aber kaum einer konnte ahnen, bis wohin sich dieser erstrecken würde. Heute zählt Philipp Poisel zur ersten Liga der neuen deutschen Pop-Poeten mit zahlreichen Gold- und Platinauszeichnungen. Sein Name steht für Qualität, Authenzität und eine umwerfende Poesie, oder wie es Rea Garvey ausdrückt: "Philipp Poisels Lieder sind eine Waffe." Neuauflage der Debüt-LP im Doppel-Gatefold.

Remasterte 15-Jahres-Jubiläumsedition des Debütalbums "The Sparrow And The Crow" (2008) von US-Singer/Songwriter William Fitzsimmons ( iTunes US Best Singer/Songwriter Album 2008). Erweitert um die Vinylerstveröffentlichung der "Derivates" EP (2010) mit 7 elektroakustischen Bearbeitungen von "The Sparrow And The Crow" Albumtracks sowie dem Kate-Perry-Cover "I Kissed A Girl". Farbiges (Crystal Clear & Yellow) Doppelvinyl im Gatefold.Tracklisting:A1. After AfterallA2. I Don't Feel It AnymoreA3. We Feel AloneA4. If You Would Come Back HomeA5. Please Forgive MeA6. Further From YouB1. Just Not Each OtherB2. Even NowB3. You Still Hurt MeB4. They'll Never Take The Good YearsB5. Find Me To ForgiveB6. GoodmorningB7. Maybe Be AlrightC1. I Don't Feel It Anymore (feat. Brooke Fraser) (George Raquet Remix)C2. If You Would Come Back Home (Mikroboy Remix)C3. I Don't Feel It Anymore (Feat. Loane)C4. You Still Hurt Me (Feat. The Great Neck South High School Choir)D1. So This Is Goodbye (Original Version)D2. Goodmorning (Pink Ganter Remix)D3. So This Is Goodbye (Pink Ganter Remix)D4. I Kissed A Girl

Emilíana Torrini erwacht aus der Pause mit einem brandneuen Album, MISS FLOWER. Es ist die Rückkehr zu einer illustren Karriere, die Chartstürmer wie "Sunny Road" und "Jungle Drum" von gefeierten Alben wie "Fisherman's Woman", "Me And Armini" und "Tookah" sowie ikonische Soundtracks wie "Der Herr der Ringe: Die zwei Türme" umfasst. Emilíana hat mit ihrem vielseitigen Stil aus Folk-, Pop- und elektronischen Einflüssen eine Grammy®-Nominierung, Ivor Novello- und isländische Musikpreise erhalten und eine Generation unauslöschlich geprägt. Ihr neuestes Werk, MISS FLOWER, verspricht, mit ihrem unnachahmlichen Gesang und innovativen Kompositionen das Publikum erneut zu fesseln.Inspiriert von einer Kiste mit Briefen, die sie an die Mutter ihrer Freundin Zoe – Geraldine Flower – schrieb, begibt sich Emilíana Torrini mit ihrem neuen Album auf eine zutiefst persönliche Reise. Diese Geschichten lösten Torrinis kreative Vision aus und hauchten der fesselnden Erzählung, die sich durch MISS FLOWER zieht, Leben ein. Verspielt und frei, experimentell und erwachsen taucht Emilíana Torrini in verschiedenste Welten ein, lebt in den einzelnen Songs grosse Liebesgeschichten, kleine Dramen und intensivstes Leben. Und baut damit nicht nur der unnachahmlichen Geraldine Flower ein Denkmal, sondern auch weiblicher Selbstbestimmung und Unabhängigkeit.Tracklisting:A1. Black WaterA2. Lady KA3. WaterholeA4. DreamersA5. Miss FlowerB1. Black Lion LaneB2. Let's Keep DancingB3. Love PoemB4. The Golden ThreadB5. A Dream Through The Floorboards

Remastered Reissue von Wandermüde, einem exquisit-seidigen Stoff aus den kombinierten Fäden des deutschen Klangkünstlers Stephan Mathieu und des hochgelobten David Sylvian. Das 2012er Werk erscheint erstmals auf Vinyl, beide Formate enthalten einen unveröffentlichten Bonustrack. Als Interpretation von David Sylvians kathartischem Meilenstein Blemish (2003), mit dem dieser mit seiner musikalischen Vergangenheit brach, ist Wandermüde ein feines, futuristisches Gemälde elektroakustischer Kunst. Es erforscht die ruhigeren, elektronischen Seiten beider Persönlichkeiten, liefert experimentelle, drone-eske Formen und lammfromme Themen, und mit dem Gitarristen/Elektronikkünstler Christian Fennesz ist wieder ein Blemish-Gast mit von der Partie.

Neuauflage des 2019er Albums des Hamburger Songwriters, ewigen Geheimtipps und Kritikerlieblings Niels Frevert auf schwarzem 180g Vinyl. Produziert von Philipp Steinke (BOY, Revolverheld, Kettcar), erhielt 'Putzlicht' frenetische Zustimmung von Kritikerseite.

'Ein Meisterstück seiner fast 30jährigen Karriere.' - dpa

Auf 'Lobes', dem achten offiziellen We Are Scientists-Studioalbum, erleben wir das liebenswerte und dynamische New Yorker Duo in der spielerischen und kreativen Form ihres Lebens. 'Lobes' folgt dem erst 2021 erschienenen Indie-Rock-Masterpiece 'Huffy', was darauf hindeutet, dass die neuen Songs zur fast gleichen Zeit entstanden sind, was sie allerdings nicht davon abhält, in ein gänzlich anderes musikalischen Universum zu diffundieren, wie die beiden Teasersingles und Elektro-Rock-Knaller 'Operation Error' und 'Less From You' beweisen.

Nina Hagen, die schönste und schrillste Brandstifterin zwischen Punk und Pop, Ost und West und Outta Space, die Deutschland je hervorgebracht hat, ist endlich zurück - mit ihrem neuen Album 'UNITY' auf Grönland Records.

Die zwölf Songs auf 'UNITY' sind ein wilder Trip durch einen dicht gewebten musikalischen Dschungel, in dem es zirpt und surrt und zwitschert, Western Twang auf spacige Synthie-Flächen und Rock-Pop auf Dub und sexy Slow Funk. Manche Songs erzählen von biblischen Wundern, andere sind flammende politische Kampfreden, und wieder andere sind Cover: von einem Country-Klassiker, einem Sheryl-Crow-Hit, oder sogar von einem Bob-Dylan-Song mit deutschem Text ('Die Antwort weiß ganz allein der Wind', was man sich wirklich nur als eine der ganz großen Liederkünstlerinnen erlauben darf). Vielförmig ist das Spiel mit Texturen, Sample und Alltagsgeräuschen auf 'UNITY'. Und inmitten dieses satten Sound- und Themen-Blattwerks ist da natürlich diese Stimme, die in einem Wimpernschlag von opernhaft zu dämonisch umschwenken kann, von wahnsinnigen Höhen in furchteinflößende Tiefen, als wolle sie die Geschlechter miteinander kurzschließen. Nina Hagen schreit und zischt, schmettert und sprechsingt, reibt und überschlägt sich in elektronischen Verzerrungen. Sie führt musikalische Zwiegespräche. Mit uns und mit sich selbst. Wie aus einer anderen Welt hallt ihre Stimme hinüber in unsere Gegenwart. Kurzum: 'UNITY' ist ein grelles, warmherziges und vielfältiges Nina-Hagen-Spektakel, das belegt, dass sie mit 67 Jahren so produktiv wie eh und je ist.

Mulays kaleidoskopartiger Alt-Pop/Alternative-R&B-Sound existiert in seinem eigenen Universum. Die Debüt-EP 'ANTRACYTE' (2021) der Berliner Künstlerin verbindet ihre warme, beseelte Stimme, eingängige Melodien, unorthodoxe Strukturen und elektronische Klangteppiche zu einem neuen, charakteristischen Sound. Es folgen Kollaborationen mit dem Berliner Rapper/Produzenten LLUCID sowie dem Rapper Kelvyn Colt für den Soundtrack zum Kinofilm 'FLY', bevor Mulay mit 'IVORY', aufgenommen mit Rick Vincent Will und LLUCID, ihren zweiten Songzyklus veröffentlicht, der thematisch erstmals auch Licht berührt. Beide divergenten Werke erscheinen nun gemeinsam als limitierte LP, symbolisch gepresst auf klar und schwarz marmorstruckturiertem Vinyl samt Posterbeilage.

Transit' ist das zweite Album von Das Paradies. Mit 'Goldene Zukunft' gelang Florian Sievers 2018 eines der bemerkenswertesten deutschsprachigen Debütalben der vergangenen Jahre. Seine Songs sind Pop im besten Sinne - identitätsstiftend, blitzgescheit und rätselhaft. 'Transit' berichtet aus Zwischenräumen, von Menschen an Kipppunkten, vom Gefühl der Entrückung und traurig-schaurigen Leichtigkeit. Mit eigenwilliger Elektronik und von Hierarchie befreiten Arrangements erfindet sich Das Paradies neu und bleibt trotzdem immer eingängig. Man kann in diesen Songs wohnen und immer wieder neue Zwischenräume entdecken. Sie sind voller Zeilen, die man sofort an Häuserwände schreiben würde. Das Paradies ist ein Ort, an dem alles passieren darf. Solche Orte brauchen wir dringender denn je.

Auf der Bühne mit 7 brillanten Sängerinnen und ganz frei von Musikinstrumenten präsentiert Kat Frankie eine A-cappella-Show über die Bedeutung von Körperlichkeit. Dieses genreübergreifende und dynamische Konzert bietet neue Arrangements älterer Songs sowie eigens für diesen Anlass komponiertes Material. Elemente aus Gospel, R&B, mittelalterlichen Balladen und modernem Pop lassen eine dramatische und freudvolle Performance entstehen. Sie erkundet die Unabhängigkeit im physischen Sinne sowie das Weltall, in dem Himmelskörper zwar autonom sind, und doch auf Umlaufbahnen liegen, die durch dieselben Kräfte entstanden sind.

Denn Kat Frankie singt auch die schönsten und unmittelbar eingängigsten Melodien, die man sich wünschen kann; und sie singt das alles mit einer Stimme, die so klar und zugleich aufregend rätselhaft ist, so beeindruckend reif und zugleich lockend keck, dass sie einem schon nach der ersten Strophe nicht mehr aus dem Kopf gehen will. Zu ihren Vorbildern gehören PJ Harvey, Tom Waits und Rufus Wainwright. In der Vergangenheit veröffentlichte Kat einige Alben im Eigenvertrieb, spielte Gitarre in Olli Schulz' Begleitband, komponierte zusammen mit Get Well Soon und veredelte mit ihrer Stimme das Stück des Erfurter Rappers Clueso "Wenn du liebst". Die dunkelbunte Welt der Songwriter-Musik und die helle, manchmal grelle Welt des Mainstream Pop - für Kat Frankie schließen sie einander nicht aus. "Bad Behaviour", ihr neues Album, ist nicht nur kunstvoll, sondern auch höchst intim: So nah wie in diesen neuen Liedern sind wir der Künstlerin noch nie gekommen. Es geht um die Liebe und um das Leiden an ihr, vor allem aber um die Freude am Lieben. Immer jedoch finden wir in Kat Frankies Bildern auch den Blick nach außen, auf die Welt im Ganzen; auf jenes Politische, das sich allein im Privaten zeigt. "Bad Behaviour" ist ein großes, Grenzen sprengendes Werk; ein Höhepunkt im Schaffen einer außergewöhnlichen Künstlerin; ein Album, das uns noch lange beschäftigen wird.

Philipp Poisels Traum von Amerika begann schon in seinen Kindheitstagen als er sich regelmäßig mit den „Drei Fragezeichen“ auf Abenteuer zum Rocky Beach begab, für ihn eine Coca-Cola die beste Erfrischung war, und er mit Bruce Springsteen auf MTV die Straßen Philadelphias entlanggelaufen ist. Der Traum von diesem Amerika, der Sehnsucht nach Abenteuer, Freiheit und Weite bleibt für Poisel lebendig und findet sich auf der neuen Platte wieder, für die er sich mit Band und Produzent Frank Pils auf eine sehr persönliche Reise und Spurensuche in die USA begab. „Mein Amerika“ entstand auf einer Analog-Bandmaschine in den legendären Blackbird Studios in Nashville/Tennessee. Das Album lässt eine deutliche Entwicklung hörbar werden, Poisel hat seinen Songwriter-Stil in einen Bandsound verpackt, der reichlich Hallraum für seine Stimme bietet. Der leise Gesang der frühen Tage macht einem Sänger Platz, der die großen Bühnen als Arena sucht.

Limitierte Picture-Disc-Neuauflage zum 50. Jubiläum des dritten NEU! Albums, das 1975 das Licht der Welt erblickte. Nach einer dreijährigen Pause legten die NEU!-Mitglieder Klaus Dinger und Michael Rother ihre Differenzen vorübergehend bei und kamen wieder zusammen, um den Motorik-Sound, den sie mit ihrem Debüt 1971 entwickelt hatten, noch einmal zu versuchen. Die seltsame Spannung und Präsentation von NEU! 2 und das Auftauchen ihrer früheren Band Kraftwerk mögen die Wiedervereinigung beschleunigt haben, aber was auch immer der Grund war, das Endergebnis war die Zeit, die Mühe und die Streitereien wert, die es gekostet hatte, dieses Album herauszubringen.

Betrachtet man die bewegte Biografie des Can-Bassisten Holger Czukay, könnte man zu dem Schluss kommen, der experimentierfreudige Musiker sei ein exzentrischer und unbändiger Freigeist. Doch Czukay betonte in Interviews immer wieder, dass er in seinem Schaffen stets auf einen musikalischen Partner angewiesen sei, egal ob in Form eines konkreten Gegenübers oder durch Radiowellen und später das Internet. Doch die meisten seiner Partner waren aus Fleisch und Blut. Sein dem Kino verwandtes Gesamtwerk schmückt sich mit einer Besetzung, die der eines Scorcese-Films gleichkommt: Brian Eno, Phew, Rolf Dammers, David Sylvian, Annie Lennox, Jah Wobble, die Kollegen von Can – die Aufzählung ließe sich noch weit fortsetzen. Viele dieser Meisterwerke sind heute vergriffen, und so hat es sich das Label Grönland, das Anfang des Jahres zu Holgers 80. Geburtstag bereits die vielbeachtete Retrospektive CINEMA veröffentlichte, zur Aufgabe gemacht, Holgers Musik in remasterten Neuauflagen wieder zugänglich zu machen.Den Auftakt machten zwei Wiederveröffentlichungen mit David Sylvian (Japan), der als Musiker so sehr zu Czukay passt, wie vielleicht kein anderer – sein Werk ist geprägt von Gegensätzen zwischen einladender Popmusik und eigensinnigen Experimenten. Zwei der spannendsten dieser musikalischen Versuche finden sich in "Plight & Premonition" (1988) und "Flex & Mutability" (1989), für deren Wiederveröffentlichung kein geringerer als Sylvian selbst die Initiative ergriff. Czukays musikalischer Erstling "Canaxis 5", eine 1968 heimlich in der Nacht in Stockhausens Kölner Studio beim WDR aufgenommene frühe Sampling-Arbeit mit Rolf Dammers, die heute bei Discogs Höchstpreise erzielt, folgt Ende September – zusammen mit "Movies" (1979), dem ersten Soloalbum nach Can, sowie der Postpunk-Platte "Full Circle" (1982), eine Kollaboration mit Jaki Liebezeit (Can) und Jah Wobble (PiL), die Holger zu seinen Favoriten zählte. Mitte Oktober dann erscheinen vier weitere Solo-Platten Czukays, die einmal mehr deutlich machen, dass der Kölner Musiker zu den wichtigsten deutschen Künstlern der Nachkriegszeit zu zählen ist: "Der Osten Ist Rot" (1984), "Rome Remains Rome" (1987), "RadioWave Surfer" (1991) und "Moving Pictures" (1993).

Betrachtet man die bewegte Biografie des Can-Bassisten Holger Czukay, könnte man zu dem Schluss kommen, der experimentierfreudige Musiker sei ein exzentrischer und unbändiger Freigeist. Doch Czukay betonte in Interviews immer wieder, dass er in seinem Schaffen stets auf einen musikalischen Partner angewiesen sei, egal ob in Form eines konkreten Gegenübers oder durch Radiowellen und später das Internet. Doch die meisten seiner Partner waren aus Fleisch und Blut. Sein dem Kino verwandtes Gesamtwerk schmückt sich mit einer Besetzung, die der eines Scorcese-Films gleichkommt: Brian Eno, Phew, Rolf Dammers, David Sylvian, Annie Lennox, Jah Wobble, die Kollegen von Can – die Aufzählung ließe sich noch weit fortsetzen. Viele dieser Meisterwerke sind heute vergriffen, und so hat es sich das Label Grönland, das Anfang des Jahres zu Holgers 80. Geburtstag bereits die vielbeachtete Retrospektive CINEMA veröffentlichte, zur Aufgabe gemacht, Holgers Musik in remasterten Neuauflagen wieder zugänglich zu machen.Den Auftakt machten zwei Wiederveröffentlichungen mit David Sylvian (Japan), der als Musiker so sehr zu Czukay passt, wie vielleicht kein anderer – sein Werk ist geprägt von Gegensätzen zwischen einladender Popmusik und eigensinnigen Experimenten. Zwei der spannendsten dieser musikalischen Versuche finden sich in "Plight & Premonition" (1988) und "Flex & Mutability" (1989), für deren Wiederveröffentlichung kein geringerer als Sylvian selbst die Initiative ergriff. Czukays musikalischer Erstling "Canaxis 5", eine 1968 heimlich in der Nacht in Stockhausens Kölner Studio beim WDR aufgenommene frühe Sampling-Arbeit mit Rolf Dammers, die heute bei Discogs Höchstpreise erzielt, folgt Ende September – zusammen mit "Movies" (1979), dem ersten Soloalbum nach Can, sowie der Postpunk-Platte "Full Circle" (1982), eine Kollaboration mit Jaki Liebezeit (Can) und Jah Wobble (PiL), die Holger zu seinen Favoriten zählte. Mitte Oktober dann erscheinen vier weitere Solo-Platten Czukays, die einmal mehr deutlich machen, dass der Kölner Musiker zu den wichtigsten deutschen Künstlern der Nachkriegszeit zu zählen ist: "Der Osten Ist Rot" (1984), "Rome Remains Rome" (1987), "RadioWave Surfer" (1991) und "Moving Pictures" (1993).

"Lions" wurde produziert von Chris Walla, in erster Linie bekannt als Gitarrist von Death Cab For Cutie, aber auch als Produzent von unter anderem Tegan and Sara, The Decemberists und The Postal Service. Das Album ist eine musikalische Reflektion der persönlichen Entwicklung und Neugestaltung in den Jahren nach dem 2011 erschienenen Vorgänger "Gold In The Shadows", die William Fitzsimmons in sehr persönlichen Interviews dieser Tage beschreibt. Ein intimes, inniges und intensives Werk.

Grönland Records veröffentlicht ein Dokument eines einzigartigen – wenn auch bisher wenig bekannten – Auftritts von Brian ENO, Holger Czukay & J.PETER Schwalm, bei dem sie von Raoul Walton und Jern Atai, Mitglieder von Schwalms Band Slop Shop, begleitet wurden. Der als "High-Altitude-Food-Performance with Incidental Music by Slop Shop and Brian Eno" angekündigte Auftritt, bei dem die Teilnahme von Can-Mitbegründer Czukay vorab geheim gehalten wurde, wurde am 27. August 1998 vor der Kunst- und Ausstellungshalle der Bundesrepublik Deutschland in Bonn aufgenommen, bei der Eröffnungsparty für eine Ausstellung der Multimedia-Installation "Future Light-Lounge Proposal" von Eno. Der Titel des Albums, das auf Vinyl, CD und über alle digitalen Plattformen erscheint, leitet sich vom ungewöhnlichen Namen der Veranstaltung ab: Sushi. Roti. Reibekuchen

„Das Gegenteil von Anarchie ist Verwaltung.

Das Gegenteil von Origami freie Entfaltung.

…

aber was ist das Gegenteil von Heilbronn?“



…diese Antwort bleibt uns der Track „So muss es sein“ für den Moment schuldig. Ansonsten lässt Textor aber keine Fragen offen und nichts zu wünschen übrig, auf einem phänomenalen, neuen Album, das in diesen Tagen bei Grönland Records erscheint. Es bzw. er „beschäftigt sich mit verschiedenen Dingen“ (Zitat aus dem Track „Bibimbap“). Dieser hochwillkommene Beitrag zum Stand der Dinge im deutschsprachigen Rap ist unschätzbar, sein Status inzwischen unangreifbar, seine Skills sowieso legendär.



So feingliedrig und schlank der Meister, so heavy das Werk. „So tun als ob“ ist, für manche vielleicht überraschend, ein reines Rap-Album geworden. Gut so! Keine ausgedehnten Exkursionen im Segment des gesungenen Lieds und des Orchestralen mehr, nur wenige Verweise auf Jazz oder Folk, ganz anders als etwa auf dem letzten Textor-Soloalbum, „Schwarz, Gold, Blau“ von 2012. Höchstens ein paar Spuren der dichten, eklektischen Sampling-Strukturen, die das Schaffen seines Duos Kinderzimmer Productions seit Mitte der 90er Jahre prägte. „So tun als ob“ ist gleichzeitig knochentrocken und voll im Saft, abgespeckt und fett, taufrisch und gut abgehangen. Diese Gegensätze vereinen zu können ist Ausweis seiner Meisterschaft – im Texte bauen, im Tracks bauen, nicht zuletzt im Abliefern.



In seinem Kreuzberger Studio hat Textor mit viel Muße – je nach Sichtweise hat er zehn oder auch nur ein Jahr dafür gebraucht – eine Kollektion minimalistischer Beats für maximalen Impact gebaut, mit nur wenigen, wohldosierten Ornamenten. Das Gros im Alleingang, bei drei Tracks kam Support von Quendolin Fender. Die Beats bilden untenherum ein stabiles Fundament, lassen obenherum aber viel Platz und Luft für elf brandneue, mal verwinkelte, mal straighte, mal rasante, mal kunstvoll verschleppte Gedankengänge, wie sie in der zuletzt eher öden, deutschen Raplandschaft ihresgleichen suchen. Die Skills eines alten Hasen treffen auf das Herz eines jungen Hüpfers, das immer noch unverdrossen in ihm schlägt.



Die wenigen Gäste auf diesem Album bringen keine zusätzlichen Rap-Strophen, sondern setzen gesangliche Glanzlichter: Steffi Frech auf „Kein Gefühl“, Fama M’Boup auf „Es dreht sich“ und Kenchi & The Sun auf „Klickediklick“. Den Rest stemmt Textor mühelos im Alleingang, seine Versatilität in Tempo und Duktus geben das problemlos her. Das satte Mastering von Rashad Becker von Dubplates und Mastering verleiht dem Werk nicht nur den letzten Schliff, sondern auch eine Autorität, die „So tun als ob“ zu DEM Rap-Album des Jahres machen – etwas für HipHop-Kids aller Altersklassen und jeglicher Couleur.



In der Tat: „So muss es sein.“



Hans Nieswandt

Mit "Lieben wir" präsentiert Oehl ein intimes und packendes Konzeptalbum über die Liebe in all ihren Facetten – von Knutschflecken bis zu den Momenten, die unser Leben prägen. Ariel Oehl wagt Neues und bleibt sich treu: Sein "Gitarrenalbum" vereint handgemachte Klangwelten mit verführerischen Melodien, die zwischen Nostalgie und großer Emotion pendeln. Produzent Niklas Apfel sorgt für ein ausdrucksstarkes, organisches Sounderlebnis.Ein Album, das von Enttäuschungen, Glück und der Magie flüchtiger Augenblicke erzählt – Musik für Menschen, die etwas von Musik verstehen – und ein Herz haben.

Der Bruch kam 2019 mit dem Album Putzlicht, mit dem sich Frevert nach fünf Jahren Pause neu erfand, das Korsett des Liedermachers abstreifte. Plötzlich war alles größer und druckvoller, als hätten The War On Drugs seine Schreibklause gestürmt. Pseudopoesie geht noch weiter – auch dank des neuen Produzenten Tim Tautorat (Faber, Provinz, Tristan Brusch). Freverts Lieder feuern nicht zum Durchhalten an, spenden keinen Trost, geben keinen Rat. Sie legen sanft den Finger auf die Wunde, da wo Träume verkümmern und Herzen verhärten, schieben dich sachte zur Tür und lassen dich da stehen mit dem Schlüssel in der Hand. Das ist große, zuweilen fast schmerzhaft schöne Popmusik, die das Leben und die Menschen ernst nimmt, aus Alltäglichkeiten das Drama unserer Existenz schält und neuerdings immer einen Ausweg bereithält: den radikalen Neuanfang, die Flucht in ein neues Leben, so als Idee. Aufgenommen mit der Live-Besetzung von Putzlicht ist es das erste Mal, dass seine Band zwischen zwei Alben komplett zusammenbleibt. Niels Frevert scheint angekommen zu sein: zwischen den Stühlen, auf der äußeren Umlaufbahn oder einfach nur auf dem Weg zum ewigen Weiter.

Die zwölf Songs auf 'UNITY' sind ein wilder Trip durch einen dicht gewebten musikalischen Dschungel, in dem es zirpt und surrt und zwitschert, Western Twang auf spacige Synthie-Flächen und Rock-Pop auf Dub und sexy Slow Funk. Manche Songs erzählen von biblischen Wundern, andere sind flammende politische Kampfreden, und wieder andere sind Cover: von einem Country-Klassiker, einem Sheryl-Crow-Hit, oder sogar von einem Bob-Dylan-Song mit deutschem Text ('Die Antwort weiß ganz allein der Wind', was man sich wirklich nur als eine der ganz großen Liederkünstlerinnen erlauben darf). Vielförmig ist das Spiel mit Texturen, Sample und Alltagsgeräuschen auf 'UNITY'. Und inmitten dieses satten Sound- und Themen-Blattwerks ist da natürlich diese Stimme, die in einem Wimpernschlag von opernhaft zu dämonisch umschwenken kann, von wahnsinnigen Höhen in furchteinflößende Tiefen, als wolle sie die Geschlechter miteinander kurzschließen. Nina Hagen schreit und zischt, schmettert und sprechsingt, reibt und überschlägt sich in elektronischen Verzerrungen. Sie führt musikalische Zwiegespräche. Mit uns und mit sich selbst. Wie aus einer anderen Welt hallt ihre Stimme hinüber in unsere Gegenwart. Kurzum: 'UNITY' ist ein grelles, warmherziges und vielfältiges Nina-Hagen-Spektakel, das belegt, dass sie mit 67 Jahren so produktiv wie eh und je ist.

Nina Hagen, die schönste und schrillste Brandstifterin zwischen Punk und Pop, Ost und West und Outta Space, die Deutschland je hervorgebracht hat, ist endlich zurück - mit ihrem neuen Album 'UNITY' auf Grönland Records.

Die zwölf Songs auf 'UNITY' sind ein wilder Trip durch einen dicht gewebten musikalischen Dschungel, in dem es zirpt und surrt und zwitschert, Western Twang auf spacige Synthie-Flächen und Rock-Pop auf Dub und sexy Slow Funk. Manche Songs erzählen von biblischen Wundern, andere sind flammende politische Kampfreden, und wieder andere sind Cover: von einem Country-Klassiker, einem Sheryl-Crow-Hit, oder sogar von einem Bob-Dylan-Song mit deutschem Text ('Die Antwort weiß ganz allein der Wind', was man sich wirklich nur als eine der ganz großen Liederkünstlerinnen erlauben darf). Vielförmig ist das Spiel mit Texturen, Sample und Alltagsgeräuschen auf 'UNITY'. Und inmitten dieses satten Sound- und Themen-Blattwerks ist da natürlich diese Stimme, die in einem Wimpernschlag von opernhaft zu dämonisch umschwenken kann, von wahnsinnigen Höhen in furchteinflößende Tiefen, als wolle sie die Geschlechter miteinander kurzschließen. Nina Hagen schreit und zischt, schmettert und sprechsingt, reibt und überschlägt sich in elektronischen Verzerrungen. Sie führt musikalische Zwiegespräche. Mit uns und mit sich selbst. Wie aus einer anderen Welt hallt ihre Stimme hinüber in unsere Gegenwart. Kurzum: 'UNITY' ist ein grelles, warmherziges und vielfältiges Nina-Hagen-Spektakel, das belegt, dass sie mit 67 Jahren so produktiv wie eh und je ist.