4AD HHV Records 216 Artikel

"Bright Future" ist das zweite Solo-Album von Adrianne Lenker, bekannt als Sängerin und Songwriterin der amerikanischen Indie-Band BIG THIEF, auf 4AD. Ihr erstes eigenes Album seit "Songs & Instrumentals" aus dem Jahr 2020 wurde von Philip Weinrobe co-produziert und enstand unter der Mitwirkung von Nick Hakim, Mat Davidson und Josefin Runsteen. Adrianne wagte sie sich ins Unbekannte, fasste sich ein Herz und schrieb ihre bis dato berührendsten Solo-Songs, die sie im Herbst 2022 mit einigen ihrer Lieblingsmenschen aufnehmen konnte. Abseits der Zivilisation und urbanen Einflüssen wagten sich Hakim, Davidson, Runsteen und Lenker ins Ungewisse. Der Co-Produzent und Tontechniker von "Bright Future", Philip Weinrobe, bereitete das Studio vor. Er war schon bei früheren Soloalben Adriannes Partner, aber dieses Mal war es etwas Neues. Adrianne hatte nicht die Absicht, ein Album zu machen. Stattdessen wollten sie die Songs ohne Erwartungen erforschen. Die Geborgenheit und Leichtigkeit des Waldes um das Double Infinity Studio ist ein prägendes Element der Aufnahmen. Das Ergebnis ist, dass "Bright Future" die besten Eigenschaften von filigranen Sounds mit der Spontanität von Field-Recordings vereint. Es gibt Details, die man erst beim zweiten oder dritten Hören entdecken wird und das macht die neuen Songs zu einem ungefilterten Erlebnis und beweist einmal mehr, dass Adrianne Lenker zu den größten Songwriterinnen ihrer Generation gehört. Das Album enthält zudem auch die Originalaufnahme des inzwischen zum modernen Klassiker gereiften Big Thief-Songs "Vampire Empire", der zuletzt sogar in der Playliste von Barack Obama auftauchte - unbewusst gibt der Albumtitel "Bright Future" einen Fingerzeig, wohin sich Adriannes Lenker Karriere als Musikerin entwickeln wird.

Diesen Juni feierte das zweite Bon Iver Album „Bon Iver, Bon Iver“ seinen 10. Geburtstag. Um das, wenn auch ein wenig verspätet, zu feiern, veröffentlicht 4AD am 14.01.2022 die „Bon Iver, Bon Iver (10th Anniversary Edition)“ dieses Klassikers auf CD und Doppel-LP. Neben dem Originalalbum enthält die limitierte Neuausgabe fünf bis dato unveröffentlichte Aufnahmen aus der AIR Studios Session. Eingespielt wurden die Songs gemeinsam von Justin Vernon und Sean Carey als Duo mit Klavier und Gesang.

Das ikonische Artwork der LP und CD wurde gänzlich neu gestaltet. Statt dem ursprünglichen Aquarell des Originals ziert bei der Anniversary-Edition nun eine Blindprägung auf weißen Grund das Cover. Dazu gibt es noch ein persönliches Essay von Phoebe Bridgers über ihre Liebe zu diesem Album und wie es sie als Künstlerin geprägt hat.

Begleitend zum Release spielen Bon Iver im Oktober zwei Shows im neu eröffneten YouTube-Theater in Inglewood in Kalifornien. Es sind Bon Ivers erste Shows seit Beginn der Pandemie und stellen das zweite Album und seine Produktion in den Fokus.

Bartees Strange ist mit Angst aufgewachsen. Seine Familie erzählte ihm schon als kleines Kind Gruselgeschichten, um ihm Lektionen fürs Leben zu erteilen, und schon früh fing er an, sich Gruselfilme anzusehen, um sich darin zu üben, stark zu sein. Die Welt kann ein furchteinflößender Ort sein, und für einen jungen, queeren, schwarzen Menschen im ländlichen Amerika kann dieser Terror sehr schmerzhaft sein. Sein am 14. Februar 2025 erscheinendes neue Studioalbum "Horror" ist entsprechend ein Album, in dem es darum geht, sich diesen Ängsten zu stellen und zu jemandem zu werden, den man fürchten muss.Strange begann die Arbeit an "Horror" in seinem Homestudio. Eine Session mit Yves und Lawrence Rothman (Yves Tumor, Lady Gaga) lieferte das rhythmische und klangliche Rückgrat für große Teile des Albums. Nachdem Strange Jack Antonoff (Taylor Swift, Lana Del Rey...) kennengelernt hatte und die beiden schnell Freunde wurden, arbeitete Strange an Material für Antonoffs Band Bleachers und Antonoff an "Horror". Die beiden beendeten die Arbeit am Album gemeinsam, indem sie die Songs roh bearbeiteten, editierten, arrangierten und sie in Kleidung kleideten, die Angst einflößt. Während des gesamten Albums legt Strange eine schwierige Wahrheit nach der anderen ab. Auf den 12 neuen Tracks des Albums finden sich genreübergreifende Fäden der Musik, die sein Vater ihm nahegebracht hat - Parliament Funkadelic, Fleetwood Mac, Teddy Pendergrass und Neil Young - die mit Stranges Interesse an Hip-Hop, Country, Indie-Rock und House verschmelzen.Seit dem Release seines 4AD-Debüts "Farm to Table" (2022) spielte Bartees Strange neben eigenen Headline-Touren (und einem Auftritt beim letztjährigen Reeperbahn Festival) im Vorprogramm von Acts wie boygenius, Clairo, Dijon und The National. Während eine Tour zum neuen Album noch angekündigt werden wird, gibt es schon eine Reihe von Release-Shows in 2025 in New York, Los Angeles, Washington D.C. und London.Geboren in Ipswich, England, als Sohn eines Militärvate...

Mit dem sensationellen Debütalbum "Dead Can Dance" starteten Lisa Gerrard und Brendan Perry im März 1984 ihre Weltkarriere. Die beiden Musiker hatten sich 1980 in Melbourne, Australien, kennen gelernt und kurz darauf mit Paul Erikson und Simon Monroe das Künstlerkollektiv Dead Can Dance geründet. Doch schon bald reduzierte sich die Band zum Duo. 1982 siedelten Perry und Gerrard nach London um, wo sie zunächst von der Arbeitslosenhilfe lebten, gleichzeitig aber erste Demos einspielten. Doch es sollte noch einige Zeit mit dem ersehnten Plattenvertrag dauern. Erst als Ivo Watts-Russel, Gründer des Independent-Labels 4AD, auf Dead Can Dance aufmerksam wurde, nahm das Debüt konkrete Formen an. Watts-Russel war insbesondere vom Song "Frontier" begeistert. Einem Stück, das - neben "Threshold", "A Passage In Time" und "Musica Eternal" - für viele als Highlight des Albums gilt. Perry und Gerrard spielten "Dead Can Dance" mit verschiedenen Gastmusikern ein. Obwohl sich "Dead Can Dance" stilistisch an zeittypischen Post-Punk- und Gothic-Sounds orientierte, war die düster-hypnotische Kombination von Wave, Klassik, Ethno und Gitarrenklängen einzigartig.

Mit "Nobody Loves You More" veröffentlicht Kim Deal am 22.11.24 auf 4AD ihr erstes Soloalbum. Die elf Songs umfassende Sammlung ist das erste Album der in Dayton, Ohio lebenden Künstlerin unter ihrem eigenen Namen. "Nobody Loves You More" ist Kim Deals Debütalbum, obwohl es nicht das erste Mal ist, dass sie einen Alleingang unternimmt - 2013 veröffentlichte sie im Eigenverlag eine fünfteilige Reihe von zehn Songs, die limitiert als 7" erschienen. Im Einklang mit Deals akribischer Herangehensweise an ihre Kunst, wurde das Album über mehrere Jahre hinweg verfeinert. Die ältesten Songs, "Are You Mine?" und "Wish I Was", wurden 2011 geschrieben und aufgenommen, kurz nachdem Deal von der "Lost Cities Tour" der Pixies zurückkam und nach Los Angeles umzog (frühe Versionen dieser Songs waren in der besagten Vinyl-Serie enthalten). Die letzten Aufnahmen für "Nobody Loves You More" fanden im November 2022 mit dem legendären Tontechniker und engen Freund Steve Albini statt, der den letzten Track "A Good Time Pushed" in seinem Electrical Audio Studio in Chicago einspielte. Auf dem Weg dorthin hat sie eine Vielzahl von Mitstreitern aus der Vergangenheit und Gegenwart hinzugezogen, von den Breeders (Mando Lopez, Zwillingsschwester Kelley Deal, Jim Macpherson, Britt Walford) oder auch Raymond McGinley (Teenage Fanclub), Jack Lawrence (Raconteurs) sowie Fay Milton und Ayse Hassan von den Savages. "Nobody Loves You More" wurde von Marta Salogni gemischt und von Heba Kadry gemastert.Zu jedem Song gibt es eine persönliche Geschichte. Sie handeln von den Winterferien mit ihren Eltern auf den Florida Keys ("Summerland"), einem Hochzeitsband-Cover von "Margaritaville" ("Coast") oder auch der Demenz ihrer Mutter ("Are You Mine?"). Die Platte zelebriert Deals unvergleichliche Kunstfertigkeit, die nicht nur auf die Höhepunkte ihrer Karriere mit gefeierten Bands der Alternative-Landschaft (Pixies, The Amps, The Breeders) verweist, sondern auch auf ihr unverrückbares kulturelles Gewicht, das über Generationen hinweg Musik...

AlsAldous Harding 2017 mit ihrem Zweitwerk"Party" ihr Debüt auf 4AD gab, war sie wohl nur absoluten Insidern der Indie-Folk-Szenebekannt. Als Straßenmusikerin entdeckt, mauserte sich die Neuseeländerin mitihren Alben aber schnell zum absoluten Geheimtipp, wobei schon vom ersten zumzweiten Album eine deutliche und steile Lernkurve im Schaffen der Songwriterinzu erkennen war. Umso schöner, dass sie uns nun ihr drittes, wieder von JohnParish (PJ Harvey, Sparklehorse) produziertes Album "Designer" präsentiert!AldousHardings Musik ist nichts für zartbesaitete Menschen, entwaffnend aufgrund dertrostlosen Bildhaftigkeit und ihrer einnehmenden Instrumentierung, behandelnihre Songs die Kernthemen des Lebens: Tod, Geburt, Leid und Liebe. Es gibt einpaar Happy Endings in ihren Geschichten, aber vielmehr geht es um ihre Kraft,wie sie in den Kampf zieht - mit der Anmut eines Tänzers und Einstellung einesBoxers.

Bereits mit "Into The Labyrinth" begannen sich Brendan Perry und Lisa Gerrard 1993 vom Mittelalter und der Renaissance ab- und im Gegenzug fernen Ländern und Kulturen zuzuwenden: Mit Ethno-Elementen im Gepäck verortete sich das Duo zwischen Orient und Okzident. Dieser Prozess fand auf dem 1996 erschienenen Album "Spiritchaser" einen weiteren atmosphärischen Höhepunkt. Der siebte Langspieler von Dead Can Dance verbeugt sich ganz offen vor afrokaribischer Musik. Auf den acht Songs dominieren rhythmische Strukturen, eingespielt von bis zu zehn Perkussion-Spielern. "Spiritchaser" wurde - wie auch schon andere Alben zuvor - im zum Studio umgebauten Kirchengebäude (Quivvy Church) von Brendan Perry aufgenommen. Zwei Jahr später trennten sich die Wege von Gerrad und Perry aus ungenannten Gründen, Dead Can Dance löste sich auf - und hinterließ mit "Spiritchaser" ein letztes Meisterwerk.

The Pixies zählen zu den einflussreichsten US-Gruppen der späten 1980er-Jahre. 1990 und 1991 erschienen "Bossanova" und "Trompe Le Monde", die letzten beiden Alben der Band aus Boston, die jetzt jeweils im Original-Artwork auf Vinyl wieder veröffentlicht werden. Auf "Bossanova" finden sich u. a. zwei der größten Hits aus der Feder von Black Francis, nämlich "Velouria" und "Dig For Fire". Nach dem surf-poppigen "Bossanova" zeigten sich Black Francis und Kim Deal ein Jahr später auf "Trompe Le Monde" wieder von der eher harschen, rockigen Seite ihrer Anfangsjahre. Eine Single-Veröffentlichung aus dem Album war die Coverversion von "Head On", im Original von The Jesus and Mary Chain.

Zur Feier des 30. Geburtstags von Frank Blacks bahnbrechendem Solo-Album "Teenager Of The Year" erscheint eine spezielle Pressung auf goldfarbenem Vinyl.Frank Blacks ambitioniertes 22-Track-Album erschien im Mai 1994, nur ein Jahr nach seinem fantastischen, selbstbetitelten Solo-Debüt. Es entstand in einer Zeit, in der die Pixies auf Eis lagen. "Teenager Of The Year", das mit Szene-Legende Eric Drew Feldman (Captain Beefheart"s Magic Band, Pere Ubu, The Residents) aufgenommen wurde und u. a. die Single "Headache" enthält, wird von vielen als sein bestes Solowerk angesehen. Es erschien sowohl in der Pitchfork-Umfrage zu den Top-100-Alben der 1990er Jahre als auch im Buch "1001 Albums You Must Hear Before You Die".Anlässlich des Jubiläums gehen Frank Black und seine Originalband im Januar 2025 auf eine 14-tägige Tournee durch Nordamerika, Paris und London, bei der sie das Album jeden Abend von Anfang bis Ende spielen werden. Passend dazu veröffentlicht 4AD die neue Vinyl-Edition, für die Kevin Vanbergen das Album von den originalen analogen Studiobändern aufwendig remastert hat. Als limitierte "30th Anniversary Tour Edition" klingt "Teenager Of The Year" damit so gut wie nie zuvor. Sie wurde für eine optimale Wiedergabe auf 45 U/min geschnitten und auf goldenes Doppel-Vinyl gepresst. Die 2XLP kommt in einer Gatefold-Verpackung und enthält Linernotes von Frank Black und Produzent Eric Drew Feldman.

Das Konzert wurde am 3. Juni 2024 in Italien live (ohne Overdubs) aufgenommen wurde. Das Doppelalbum, welches von Peter Katis, einem langjährigen Begleiter der Band, abgemischt wurde, spannt einen Bogen über die mehr als 20 Jahre der Karriere von The National und zeigt, wie jeder Song auf der Bühne sein ganz eigenes und neues Leben entfaltet hat. Man muss diese Band live gesehen haben, die mittlerweile Stadien und große Arenen füllt. Warum das so ist, hört man auf "Rome". Aufgenommen in dem architektonisch beeindruckenden und nach dem berühmten italienischen Filmkomponisten benannten Veranstaltungsort "Parco Della Musica Ennio Morricone", zeigt die 21-Track-LP schillernde Versionen großer Songs wie "Bloodbuzz Ohio", "Don"t Swallow the Cap", "I Need My Girl", "The System Only Dreams in Total Darkness", "England" und "Fake Empire" - so wie Live-Interpretationen neuerer Tracks wie "Eucalyptus", "New Order T-Shirt", "Tropic Morning News" und "Smoke Detector". Die Band ändert ihre Setlist von Abend zu Abend, spielt Klassiker aus zwei Jahrzehnten und kombiniert diese mit Tracks aus den letzten Alben - kein Konzert ist wie das andere und beschert den Zuschauern jedes Mal im wahrsten Sinne ein einzigartiges Erlebnis. "Rome" ist geprägt von Raritäten wie dem Show-Opener "Runaway", "Lemonworld", "The Geese of Beverly Road", "Lit Up" und einer Tour-de-Force-Paarung von "Humiliation" vom von der Kritik gefeierten Album "Trouble Will Find Me" mit "Murder Me Rachael" von dem früheren Album "Sad Songs For Dirty Lovers". Als Zugabe gibt es in Rom die Wahlkampfhymne "Mr. November", "Terrible Love" von High Violet und das abschließende Fan-Singalong "Vanderlyle Crybaby Geeks". In ihrer Live-Kritik bezeichnete der Guardian The National als "eine die Ära definierende Band auf dem Höhepunkt ihrer Kräfte... als dieses atemberaubende zweieinhalbstündige Epos zu einer gemeinschaftlichen Katharsis wird". Auch der Rolling Stone UK schrieb: "Es ist klar, dass die Band...ihren Platz an der Spitze seit einem Jahrzehnt verdient hat.... Eine Show, die einfach euphorisch ist und die Band auf einem neuen Höhepunkt sieht." Das Doppel-Livealbum "Rome" ist das Zeugnis dafür.

Bei aller Unaufgeregtheit, die die ursprünglich aus Ohio stammende Band stets umgibt, hat sie es seit ihrem ersten Album aus dem Jahr 2001 doch geschafft, einen gewaltigen Hype zu verursachen. Auch ihr fünftes Werk "High Violet" rechtfertigt jede Euphorie: The National übertreffen sich einmal mehr selbst. Der überschwängliche Gestus vom Vorgängeralbum "Boxer" (2007) bestimmt auch diese elf Kompositionen, die in sich jedoch harmonischer wirken. Das unterschwellig brodelnde "Terrible Love" setzt gleich zu Beginn den ästhetischen Fixpunkt einer Platte, die von der Verflechtung intelligent inszenierter Rhythmen mit Streichern, Bläsern, Klavier und dem bandtypischen, sehr unmittelbaren Gitarrensound lebt. Die Arrangements und Melodiebögen halten die Spannung aufrecht, die Wirkung der starken Kompositionen fällt dabei meist episch ("England"), hymnisch ("Bloodbuzz Ohio") oder bedächtig aus, wie in "I"m Afraid Of Everyone". Letztlich ist es auch einmal mehr Matt Berningers unverkennbarer, tiefer Bariton, der "High Violet" zu einem großartigen The-National-Werk macht.

"Perfect Teeth" war das finale Album der amerikanischen Indie-Institution Unrest. Dreißig Jahre nach der ursprünglichen Veröffentlichung lassen 4AD und die Band es als Doppelalbum neu aufleben. Die 30th Anniversary Edition besteht aus dem remasterten Originalalbum sowie "Extra Teeth", einem Bonusalbum mit EP-Tracks, Singles und Raritäten.Unrest, die ihren Namen einer Henry-Cow-Platte entliehen hatten, gründeten sich 1983 in einer Schule in Arlington, Virginia. Anfangs noch improvisierende Instrumentalband, perfektionierten sie bald einen vielseitigen Sound mit unterschiedlichen Genreeinflüssen. Sie veröffentlichten ihre Musik über TeenBeat, das Label ihres Frontmannes Mark Robinson und später auch bei 4AD, Caroline und Matador. Auf "Perfect Teeth" sind die Gründungsmitglieder Mark Robinson und Phil Kraut sowie Bassistin Bridget Cross (ursprünglich Sängerin von Velocity Girl) zu hören. Das Album wurde im Pachyderm Studio in Cannon Falls, Minnesota aufgenommen, wo erst kurz zuvor Nirvanas "In Utero" fertiggestellt wurde. Brian Paulson, bekannt durch seine Arbeit für Slints "Spiderland", nahm "Perfect Teeth" auf. Die Produktion übernahm Simon LeBon. Für die 30th Anniversary Edition wurde das Album nun inklusive aller Bonustracks - meist auf Grundlage der Originalbänder - neu gemastert. In Zusammenarbeit mit Designer Chris Bigg enstand ein neues Backcover, ein neues Sleeve sowie das "Extra Teeth" Artwork. Der einmalig neu aufgelegte Release kommt mit einem 16-seitigen Art Catalogue mit Linernotes von Unrest, 4AD-Gründer Ivo Watts-Russel und Chris Bigg.

The National veröffentlichen ihr neuntes Studioalbums ”First Two Pages of Frankenstein“ am 28. April 2023 auf 4AD. “First Two Pages of Frankenstein“ ist ein spannendes neues Kapitel in der belebten Diskografie der Band. Die 11 Songs wurden von The National in den Long Pond Studios in Upstate New York produziert und beinhalten Gastauftritte von Taylor Swift, Phoebe Bridgers und Sufjan Stevens.

30 Meilen westlich von El Paso, nur einen Steinwurf von der mexikanischen Grenze entfernt, haben Big Thief ihr neues Album "Two Hands" aufgenommen. Nur einige Tage nachdem die Band ihr drittes und viel gelobtes Album "U.F.O.F" in einer kleinen Hütte in den Wäldern von Washington State eingespielt hatte, zog es Adrianne Lenker, Buck Meek, Max Oleartchik und James Krivchenia in den Süden, um dort ein ungleiches Zwillingsalbum aufzunehmen.Die Aufnahmebedingungen hätten nicht unterschiedlicher sein können:àWurde das eine quasi im Dauerregen aufgenommen, entstand das vierte Album in der trockenen Hitze der texanischen Wüste. Nicht nur deshalb ist "Two Hands" auch klanglich ein komplett anderes Album geworden. Handelte "U.F.O.F" noch vom Außerirdischen, so geht es auf er neuen Platte um Mutter Erde. Überirdisch bleibt das Songwriting dieser Band natürlich weiterhin. Sängerin und Texterin Adrianne Lenker gehört zu den talentiertesten Songwritern ihrer Generation und "Two Hands" unterstreicht einmal mehr ihre Ausnahmestellung. Während "U.F.O.F" der elegante Tagträumer ist, gibt sich "Two Hands" als kraftvoller und intimer Gegenspieler, mit dem das Band-Oeuvre um einen weiteren Klassiker reicher wird.

Mit"U.F.O.F." ist Big Thief der große Coup gelungen. Mit ihren beiden Alben"Masterpiece" (2016) und "Capacity" (2017) schlichen sie sich bereits heimlichin unsere Herzen. Mit ihrem neuen Album, das erstmals auf 4AD erscheint,stehlen sie es nun komplett. Das"F" in "U.F.O.F." steht für Friend und ist auch sinnbildlich für das neueBandgefühl von Big Thief. Adrianne Lenker (Gesang und Gitarre), Buck Meek(Gitarre), Bassist Max Oleartchik und Schlagzeuger James Krivchenia sind durchihre schier endlosen Touren nicht nur professionell, sondern vor allemmenschlich zusammengewachsen. Big Thief 2019 ist eine Band geworden, die durchFreundschaft zusammengeschweißt wurde. "U.F.O.F." ist das Ergebnis dieserinnigen Verbundenheit zueinander. Aufgenommenwurde "U.F.O.F." in einer ländlichen Gegend in Washington, nahe Seattle. DasBear Creek Studio ist ein abgeschiedener Ort in einer umgebauten Scheune, inder die Band ihr komplettes Album live eingespielt hat. Dabei entstanden einigeSongs wie z.B. "Cattails" erst wenige Stunden vor den eigentlichen Aufnahmen.Andere wiederum entwickelten vor Ort eine komplett andere und eigene Dynamik.Produziert wurde das neue Album von Dom Monks, der auch schon für die beidenVorgänger verantwortlich war. DieLyrics auf "U.F.O.F" beschreibt Adrianne Lenker wie einen Traum in derDunkelheit. Vieles klingt mysteriös, unabhängig von Raum und Zeit und mitunterein wenig esoterisch. "Makingfriends with the unknown... All my songs are about this, if the nature of life ischange and impermanence, I"d rather be uncomfortably awake in that truth thanlost in denial". Viele Songs handeln von düsteren Schatten oder der Dunkelheit.Genauso viele davon brechen am Ende wiederum aus und lassen den Sound von BigThief heller denn je erstrahlen. "U.F.O.F."ist ein Album zwischen Meditation und stiller Ekstase geworden, Musik fürTagträumer, die nicht aufwachen wollen. Für Big Thief ist es ein neuerHöhepunkt in ihrer Bandgeschichte. Diesen großartigen Dieben...

Brendan Perry und Lisa Gerrard haben als Dead Can Dance eine ganze Reihe herausragender Veröffentlichungen eingespielt. Doch ihr fünftes Album "Aion" von 1990 nimmt dabei noch einmal eine Sonderstellung ein. Es wurde in Perrys Studio im Süden Irlands aufgenommen. Mehr als alle anderen DCD-Einspielungen spiegelt "Aion" ein tiefes Interesse an der Musik des späten Mittelalters und der Renaissance wider. Die aus früheren Werken bekannten elektronischen Klangteppiche tauchen nur noch vereinzelt auf, die Instrumentierung ist damit überwiegend akustisch. Teilweise kommen mit Drehleier und Dudelsack sogar historische Instrumente zum Einsatz, verpackt in mittelalterliche Chorgesänge. Das Spektrum reicht von sakralen Arrangements mit gregorianischen Gesängen ("The Song Of The Sybil", "The End Of Words") über beschwingte Tanzmotive ("Radharc", "Saltarello") und Liedern wie "The Promised Womb", die von Gerards magischem, berührend-traurigem Elfengesang leben. Atmosphärisch!

Während ihr 1984 veröffentlichtes Debütalbum "Dead Can Dance" trotz Verwendung von klassischen und weltmusikalischen Elementen noch stark dem Düsterrock der frühen Achtziger verhaftet war, schlug "Spleen And Ideal" 1986 ein ganz neues Kapitel in der Bandgeschichte auf. Eines, das deutlich erahnen ließ, wohin die orchestrale, sphärisch-sakrale und neoklassizistische Klangreise von Brendan Perry und Lisa Gerrard zukünftig führen sollte. Denn mit Ausnahme von einigen wenigen Titeln, zum Beispiel "Avatar" und "The Cardinal Sin", markierte das Album die Abkehr von elektrischen Gitarren und die Hinwendung zu akustischen Instrumenten wie Cello, Kesselpauken und Posaunen. "Spleen And Ideal" wurde von John Rivers produziert. Ihm gelang es, den hohen soundtechnischen Anforderungen von Perry und Gerrard, die mit dem Klang ihres Debüts eher unglücklich waren, gerecht zu werden. All das kam beim Publikum hervorragend an: Das Album erreichte in den britischen Independent-Charts Platz 2.

Grimes ist das schöpferische Alter Ego der Kanadierin Claire Boucher. Seit 2010 veröffentlicht die in Montreal lebende Künstlerin ihre dunkel schimmernden Tracks unter diesem Namen. In der pulsierenden DIY-Szene der Stadt, wo sich Punkethos und Popmusik mischen und oft zu geradezu spirituell aufgeladenen, kreativen Kooperationen führen, hat sie den idealen Nährboden für ihr Schaffen gefunden und Grimes ins Leben gerufen. Mit "Visions" veröffentlicht Grimes nun ihr Debüt für das Label 4AD. Die Aura, die Boucher umgibt, ist von seltener Strahlkraft und wird durch ihre Arbeitsweise, in der sie Visuals, Performance, Tanz und Musik zu einer vollkommenen Einheit verwebt, noch verstärkt. In Szenekreisen raunt man was von "Witchhouse". Auf "Visions" überschreitet Grimes nun alle Genregrenzen und verbindet Einflüsse und Stile von TLC über New Age bis zu Aphex Twin, Industrial und den verschiedensten Spielarten elektronischer Musik.

Mark Lanegan zählt zu den umtriebigsten Künstlern der amerikanischen Rockmusikszene. Von der Zeit als Kopf der Grunge-Ikonen The Screaming Trees über seine Jahre bei den Stoner-Rock-Stars Queens Of The Stone Age bis hin zu seiner aktuellen Teilzeitband The Gutter Twins und der Arbeit mit Isobel Campbell: Wenn der 1964 geborene Sänger und Gitarrist aus Seattle an einem Projekt mitwirkt, entsteht dabei Herausragendes. Ob Stil, Songwriting, Stimme, seine aufwühlenden Texte oder seine gesamte Aura: Lanegan verströmt etwas Mystisches und Dunkles. So auch auf seinem siebten Soloalbum "Blues Funeral", dem ersten eigenen Werk seit dem 2004er "Bubblegum". Wiederum wurde er von zahlreichen prominenten Musikern unterstützt, darunter Josh Homme, Greg Dulli, Jack Irons (Red Hot Chili Peppers, Pearl Jam) sowie Alain Johannes (Queens Of The Stone Age), der "Blues Funeral" in seinem Studio in Los Angeles produzierte.

Die schwedische Musikerin Thea Gustafsson, die unter dem Künstlernamen Becky and the Birds bekannt ist, veröffentlicht am 15. November ihr selbst produziertes Debütalbum "Only Music Makes Me Cry Now" via 4AD. Zur Feier der Albumankündigung, präsentiert Becky and the Birds ihre neue Single "I made my baby cry". Der Song, ein emotional aufgeladenes Stück über Herzschmerz und Trennung, wird von einem Visualizer untermalt, den Gustafsson selbst kreiert hat. Die Visualisierung wurde von Gustafsson kreiert und stellt ihre Kreativität und eindrucksvolles Können im Studio unter Beweis. Über den Song sagt sie: "Ich habe den Song nach einer Trennung geschrieben. Für mich sind Trennungen das Schlimmste; mitzubekommen wie die andere Person innerlich stirbt und zu wissen, dass man es selbst ausgelöst hat." Mit "Only Music Makes Me Cry Now" kehrt Gustafsson zu ihren Wurzeln zurück und greift die experimentelle Herangehensweise wieder auf, die sie an den Tag legte, als sie mit dem Produzieren begann. Sie nutzte für ihr Debüt die Fähigkeiten, die sie seither erlernt hat, um neue Klanglandschaften zu erschaffen und Grenzen zu testen. Ihr unverwechselbarer innovativer Stil und ihre Emotionalität kommen in ihrem neuen Album zur Geltung.

Erika de Casier ist nicht auf der Suche nach Perfektion - ihr geht es mit ihrem neuen Album vielmehr um eine aktuelle akustische Standortbestimmung. Wie immer beweist "Still" dabei, dass de Casier eine Meisterin darin ist, Songs zu schreiben, die universelle Erfahrungen des modernen Lebens ansprechen, trotz all ihrer Eigenheiten und Macken. Wo ihr 2019er Album "Essentials" voller Songs über Flirten und eine neue Liebe war und "Sensational" (2021) der vermeintlich perfekten Oberfläche Falten in Form von unhöflichen und schlichtweg nervigen Partnern hinzufügte, schreibt de Casier auf ihrem neuen Album mit einer neuen Klarheit über echten Herzschmerz. Trotz all der neuen Schwere, die auf "Still" zum Vorschein kommt - und der subtilen politischen Wertigkeit, die damit einhergeht - bleibt de Casiers Musik so luftig und sinnlich wie eh und je. "Still" bestätigt, dass es nur wenige Künstler*innen gibt, die Musik machen, die so frei zwischen Sensibilität und Respektlosigkeit, Sex und Traurigkeit gleitet. Bei all dem Erfolg, den Auszeichnungen und dem Beifall ist ihre größte Errungenschaft vielleicht einfach, dass sie in jedem ihrer Songs immer noch (englisch "still") Erika de Casier ist. All das bedeutet, dass "Still" ein klassisches de Casier-Album ist, dessen eigenwillige Mischung aus üppiger Electronica und nächtlichem R&B hier noch weiter in den einzigartigen Sound eingebettet ist. Ihr Songwriting ist so universell wie eh und je, und ihr Können als Produzentin hat sich noch gesteigert, da sie zum ersten Mal auch andere Stimmen (They Hate Change, Shygirl, Blood Orange) produziert. Dazu hat sie auch neue Kollaborateur*innen eingeladen und arbeitet neben Samples auch mit Live-Musiker*innen. N, der Co-Produzent von "Essentials" und "Sensational", kehrt zurück, dazu fügen Jonathan Jull Ludvigsen, Carl Emil Johansen, Niels Kirk, Christian Rhode Lindinger, Nick León, Kirsten Nyhus Janssen und Tobias Sachse live Schlagzeug, Synthesizer, Gitarre, Bass und mehr hinzu. Diese Musiker sowie de Casiers Chor von...

Das sechste Album der New Yorker Band The National ist der Nachfolger des gefeierten Meisterwerks "High Violet" (2010), das sich weltweit über 600.000-mal verkaufte. Sänger Matt Berninger beschreibt die Songs auf "Trouble Will Find Me" im Vergleich zum bisherigen Schaffen der Band als "intuitiver und direkter". Tatsächlich ist der Sound des Albums unmittelbarer und zugänglicher, sodass man förmlich spürt, wie die Band bei sich selbst angekommen ist. "In den letzten zehn Jahren waren wir immer hinter etwas her und wollten etwas beweisen", so Berninger. Nach der fast zweijährigen Tour zu "High Violet" hätten sie sich diesbezüglich nun endlich mal entspannen können. Das Ergebnis ist gleichzeitig so neuartig wie familiär, der Höhepunkt einer künstlerischen Reise, die The National sowohl in neue Sphären als auch zurück zu ihren Anfängen bringt. Bassist Aaron Dessner: "Auf der einen Seite sind die neuen Songs die bisher komplexesten, aber auch die schlichtesten und "menschlichsten". Es fühlt sich einfach an, als hätten wir unsere gemeinsame Chemie gefunden."

Elena Tonra ist zwar keine passionierte Schwimmerin, aber der Sound auf dem neuen Daughter Album "Stereo Mind Game" klingt wie ein Ozean, in den man eintauchen möchte. Das dritte Album der britischen Band, gleichzeitig das erste Studioalbum seit sieben Jahren, setzt sich damit auseinander, was es bedeutet, von geliebten Menschen und auch von sich selbst getrennt zu sein - ein komplexes Thema. Daughter, das Trio bestehend aus Elena Tonra, Igor Haefeli und Remi Aguilella - wurde 2010 gegründet. Nach der Veröffentlichung von zwei Studioalben, "If You Leave" (2013) und "Not to Disappear" (2016), und dem Videospiel-Soundtrack Music "From Before the Storm" (2017), beschlossen sie, eine Auszeit voneinander zu nehmen. Kurz zuvor jammten sie allerdings noch gemeinsam in Los Angeles, zwischen einer Support-Tour für The National und ihren ersten Headline-Shows in Südamerika. Hier begann die Arbeit am neuen Album. Danach herrschte erst einmal Stille - als Band und untereinander. In den nächsten Jahren, in denen die Mitglieder an ihren eigenen Projekten arbeiteten, darunter auch Tonras Soloplatte als Ex:Re, trafen sich Daughter gelegentlich zum gemeinsamen Schreiben in Studios in London, Portland und San Diego, wo Haefeli 2019 für sechs Monate lebte. Die zentrale romantische Figur der Platte ist jemand, den Tonra dort kennengelernt hat, als sie aus London zu Besuch kam. Sie teilten eine bedeutende Verbindung, aber sie wusste, dass der Atlantik zwischen ihnen liegt. Daughter begann 2021 konkret mit den Aufnahmen für die zwölf Songs des Albums. Haefeli, der in Bristol lebt, traf sich mit Tonra in den Middle Farm Studios in Devon. Aguilella, der in Portland, Oregon, lebt, nahm seine Schlagzeugparts im Bocce Studio in Vancouver, Washington, auf. Haefeli produzierte eine Reihe der Songs, während Tonra "Junkmail" produzierte. Den Rest haben sie gemeinsam produziert. Die Sehnsucht, physische Entfernungen zu überwinden, ein Gefühl, das sich während der Pandemie noch verstärkt hat, ist in viele dieser Stücke eingeflossen. Auf "Wish I Could Cross the Sea" hören wir Sprachnotizen von Tonras junger Nichte und ihrem Neffen, die in Italien leben. "(Missed Calls)" enthält eine weitere Sprachnotiz, in der ein Freund einen Traum beschreibt. Gefüttert mit einigen modularen Effekten, klingt er geisterhaft eindringlich. Diese Nachrichten, Versuche einer Verbindung von geliebten Menschen, die man nicht sehen kann, "können einen aus dem Brunnen ziehen", sagt Tonra - aber nur, wenn man den Hörer abnimmt. Wenn man andere hereinlässt, kann Schönheit entstehen. Tiefes Gefühl kommt von den Bögen des 12 Ensemble, dem in London ansässigen Streichorchester, das bei vielen Stücken des Albums zu hören ist. Die von Haefeli und Tonra arrangierten und von Josephine Stephenson orchestrierten Stücke wurden, passenderweise, im The Pool aufgenommen, einem Raum in Bermondsey im Süden Londons, der eine ehemalige Badeanstalt war. Ein Blechbläserquartett verleiht auch "Neptune" und "To Rage" eine wohlig klangliche Wärme. Während Daughters frühere Arbeiten ihre Kraft in ihrer entwaffneten und emotionalen Ehrlichkeit fanden, handelt "Stereo Mind Game" von gegensätzlichen Gefühlen. "Es geht darum, nicht in absoluten Kategorien zu arbeiten", sagt Haefeli. Nach mehr als einem Jahrzehnt, in dem sie die dunkelsten Emotionen darstellten, haben Daughter ihr bisher optimistischstes und ein fast schon strahlendes Album aufgenommen.

Nur vierzehn Monate nach der Veröffentlichung ihres Debüts geben Dry Cleaning Details zu ihrem zweiten Album "Stumpwork" bekannt und bieten heute in Form der Single "Don't Press Me" einen ersten Vorgeschmack auf das neue Werk. "Don't Press Me" ist weniger als 2 Minuten lang und handelt von der Freude am Spielen und dem Genuss intensiver und kurzlebiger Erfahrungen ohne Schuldgefühle. Sängerin Florence Shaw sagt dazu: "Die Worte im Refrain sind entstanden, weil ich versucht habe, einen Song zu schreiben, den ich meinem eigenen Gehirn vorsingen kann: "You are always fighting me / You are always stressing me out". Das offizielle Animationsvideo wurde von Peter Millard erstellt, dessen naive Darstellungen der Band perfekt mit den Hooks und Riffs des Songs harmonieren. "Stumpwork", der Nachfolger von "New Long Leg" aus dem Jahr 2021, wird am 21. Oktober 2022 veröffentlicht. Das erste Studioalbum der Gruppe aus dem Süden Londons, das in nur zwei Wochen mit dem Produzenten John Parish in den kultigen Rockfield Studios aufgenommen wurde, wurde mit überschwänglichen Kritiken gefeiert und auch ein kommerzieller Erfolg: es erreichte Platz 4 in den UK Album Charts und enterte die deutschen Charts auf #85. Von diesem Erfolg beflügelt, kehrten Nick Buxton (Schlagzeug), Tom Dowse (Gitarre), Lewis Maynard (Bass) und Florence Shaw (Gesang) Ende 2021 ins ländliche Wales zurück und arbeiteten erneut mit Parish und dem Ingenieur Joe Jones zusammen. Die vertrauensvolle Zusammenarbeit im selben Studio mit demselben Team ersetzte den Druck und die Ängste durch eine neue Freiheit und Offenheit, und man traute sich aus den Komfortzonen heraus. Ein längerer Aufenthalt im Studio gab der Band die Zeit zu experimentieren, zu improvisieren, zu spielen und ihre Tischtennisfähigkeiten zu verbessern. "Stumpwork" wurde von einer Fülle von Ereignissen, Konzepten und politischen Debakeln inspiriert, sei es durch das eisige Durcheinander von Ambient-Elementen, die eine gewisse existenzielle Verzweiflung widerspiegeln, oder durch die überraschende Wärme, mit der das Leben von geliebten Menschen gefeiert wird, die im vergangenen Jahr verloren gingen. Die surrealistischen Texte stehen nach wie vor im Vordergrund - aber es gibt jetzt auch eine Sensibilität für die Themen Familie, Geld, Politik, Selbstironie und Sinnlichkeit. Wütende Alt-Rock-Hymnen verbinden sich auf dem Album mit Jangle-Pop und Ambient-Noise und zeigen die Fülle der Einflüsse, aus denen sich die Band speist, und ihre tiefe Musikalität. Mit dem Druck ihres Debütalbums im Rücken haben Dry Cleaning ein ehrgeiziges und sehr lohnendes neues Werk geschaffen, das sie als eine der intelligentesten und aufregendsten Bands Großbritanniens auszeichnet. Das Album- und Single-Artwork wurde von den multidisziplinären Künstlern Rottingdean Bazaar und der Fotografin Annie Collinge konzipiert und gestaltet. James Theseus Buck und Luke Brooks von Rottingdean Bazaar arbeiteten zum ersten Mal mit Dry Cleaning zusammen, als sie das offizielle Video zu 'Scratchcard Lanyard' drehten, und während ihre kreative Partnerschaft mit der Band weiter floriert, haben sie eine brillante und einzigartige visuelle Identität für Stumpwork geschaffen.

Nur vierzehn Monate nach der Veröffentlichung ihres Debüts geben Dry Cleaning Details zu ihrem zweiten Album "Stumpwork" bekannt und bieten heute in Form der Single "Don't Press Me" einen ersten Vorgeschmack auf das neue Werk. "Don't Press Me" ist weniger als 2 Minuten lang und handelt von der Freude am Spielen und dem Genuss intensiver und kurzlebiger Erfahrungen ohne Schuldgefühle. Sängerin Florence Shaw sagt dazu: "Die Worte im Refrain sind entstanden, weil ich versucht habe, einen Song zu schreiben, den ich meinem eigenen Gehirn vorsingen kann: "You are always fighting me / You are always stressing me out". Das offizielle Animationsvideo wurde von Peter Millard erstellt, dessen naive Darstellungen der Band perfekt mit den Hooks und Riffs des Songs harmonieren. "Stumpwork", der Nachfolger von "New Long Leg" aus dem Jahr 2021, wird am 21. Oktober 2022 veröffentlicht. Das erste Studioalbum der Gruppe aus dem Süden Londons, das in nur zwei Wochen mit dem Produzenten John Parish in den kultigen Rockfield Studios aufgenommen wurde, wurde mit überschwänglichen Kritiken gefeiert und auch ein kommerzieller Erfolg: es erreichte Platz 4 in den UK Album Charts und enterte die deutschen Charts auf #85. Von diesem Erfolg beflügelt, kehrten Nick Buxton (Schlagzeug), Tom Dowse (Gitarre), Lewis Maynard (Bass) und Florence Shaw (Gesang) Ende 2021 ins ländliche Wales zurück und arbeiteten erneut mit Parish und dem Ingenieur Joe Jones zusammen. Die vertrauensvolle Zusammenarbeit im selben Studio mit demselben Team ersetzte den Druck und die Ängste durch eine neue Freiheit und Offenheit, und man traute sich aus den Komfortzonen heraus. Ein längerer Aufenthalt im Studio gab der Band die Zeit zu experimentieren, zu improvisieren, zu spielen und ihre Tischtennisfähigkeiten zu verbessern. "Stumpwork" wurde von einer Fülle von Ereignissen, Konzepten und politischen Debakeln inspiriert, sei es durch das eisige Durcheinander von Ambient-Elementen, die eine gewisse existenzielle Verzweiflung widerspiegeln, oder durch die überraschende Wärme, mit der das Leben von geliebten Menschen gefeiert wird, die im vergangenen Jahr verloren gingen. Die surrealistischen Texte stehen nach wie vor im Vordergrund - aber es gibt jetzt auch eine Sensibilität für die Themen Familie, Geld, Politik, Selbstironie und Sinnlichkeit. Wütende Alt-Rock-Hymnen verbinden sich auf dem Album mit Jangle-Pop und Ambient-Noise und zeigen die Fülle der Einflüsse, aus denen sich die Band speist, und ihre tiefe Musikalität. Mit dem Druck ihres Debütalbums im Rücken haben Dry Cleaning ein ehrgeiziges und sehr lohnendes neues Werk geschaffen, das sie als eine der intelligentesten und aufregendsten Bands Großbritanniens auszeichnet. Das Album- und Single-Artwork wurde von den multidisziplinären Künstlern Rottingdean Bazaar und der Fotografin Annie Collinge konzipiert und gestaltet. James Theseus Buck und Luke Brooks von Rottingdean Bazaar arbeiteten zum ersten Mal mit Dry Cleaning zusammen, als sie das offizielle Video zu 'Scratchcard Lanyard' drehten, und während ihre kreative Partnerschaft mit der Band weiter floriert, haben sie eine brillante und einzigartige visuelle Identität für Stumpwork geschaffen.

Mit ihrem 4AD-Debüt, ihrem zweiten Album "Party", wurde die Neuseeländerin Aldous Harding 2017 zur gefeierten Newcomerin. Der Nachfolger "Designer" aus 2019 bestätigte ihr Ausnahmetalent, fand sich in sämtlichen Jahresbestenlisten wieder und wurde in Deutschland mit dem VIA! Award für das "Beste Album" ausgezeichnet. Vielleicht auch, weil ihre Musik ihr immer wieder Vergleiche mit PJ Harvey einbrachte. Das kam nicht von ungefähr, schließlich arbeitete die für ihre exaltierten Live-Auftritte bekannte Songwriterin mit Harveys Produzent John Parish zusammen. Fernab vom Namedropping geht Aldous Harding weiter ihren Weg, kreiert ihren ganz eigenen Sound, schichtet die Melodien und verrückt die Gefühle - wieder dabei als Produzent John Parish. Gemeinsam arbeiteten sie am neuen Album "Warm Chris" und erschaffen dabei den nächsten entrückten Klassiker einer außergewöhnlichen Diskographie.

Limitierte rote Version.

Die D’addario Brüder klingen mit ihrem The Lemon Twigs-Sound wie aus der Zeit gefallen, kombinieren die abgefahrensten Einflüsse aus jeder Rock-Ära und beweisen immer wieder welch einzigartiges Talent sie haben. So auch mit ihrem neuen Album „Songs For The General Public“, das am 1. Mai via 4AD erscheinen wird. Der Nachfolger des gefeierten 2016er Debüts „Do Hollywood“, sowie des ambitionierten 2018er 15-Song-Coming-of-Age-Musical-Epos wurde von den Brüdern im Frühjahr in ihrem Heimstudio in Long Island geschrieben, aufgenommen und produziert, mit weiteren Sessions im Sonora Studio in Los Angeles und im New Yorker Electric Lady Studio.

Nachdem Claire Boucher, aka Grimes, mit dem letzten Album "Art Angels" der internationale Durchbruch gelang, veröffentlicht sie nun ihr drittes Album für 4AD. Angekündigt hatte sie dies bereits im Februar 2019 via Instagram. In der Folge erschienen die ersten Singles aus dem Werk: "Violence" mit einem Feature des amerikanischen DJs i_o erschien im September 2019, gefolgt von "So Heavy I Fell Through The Earth" im November, mit dem dann auch der Termin des Albums angekündigt wurde. Die nächste Single aus dem Album, "4ÆM, performte sie dann exklusiv bei den Game Awards in L.A. am 13.12.19 in dem Teil der Show, in dem Cyperpunk 2077 vorgestellt wurde, ein Spiel, in dem Grimes nicht nur am Soundtrack beteiligt ist, sondern auch die Rolle des Charakters Lilly Wizzy spricht.